«Этот стихийный человек, одна из самых характерных фигур нашей родины, соединявшая в себе все чары и всю непогасшую мощь русской культуры» — Александр Бенуа о Сергее Дягилеве «Русские сезоны» — настоящая гордость русской моды. Дягилев вместе с художником по костюмам Львом Бакстом совершили настоящую эстетическую революцию. Однако предпосылки влияния русской моды на Францию зарождались еще раньше. Истоки дягилевского триумфа уходят в то время, когда в журнале «Мир искусства» появляются репродукции произведений в неорусском стиле. На модный силуэт это никак не повлияло, но отдельные элементы русского костюма постепенно начали проникать в западную моду: суровое русское кружево постепенно затмило европейское. Знакомство Дягилева с Парижем происходит уже в 1906 году, когда он открыл выставку изобразительного искусства, увенчавшуюся успехом. И вот, уже в 1907 году, получив финансовую поддержку, Дягилев начинает стремительно покорять искушенную французскую публику. Русский стиль и западная мода «Надо идти напролом. Надо поражать и не бояться этого, надо выступать сразу, показать себя целиком, со всеми качествами и недостатками своей национальности» — Сергей Дягилев К балету Дягилев пришел немного позже, так как относился к нему довольно скептически. Он показал французам шедевры русской оперы в исполнении Федора Шаляпина, пытаясь популяризировать русскую культуру через музыку. Однако уже в 1909 году Париж увидел «Бориса Годунова» в музыкальном сопровождении самого Мусоргского. К этой постановке Дягилев готовился долго. Он собирал старинные русские сарафаны и украшения, приложил все усилия, чтобы показать подлинную Русь конца XVI века. И это не могло не оставить свой след в западной моде. И, несмотря на то, что впервые Париж увидел кокошники, русские блузы и традиционный славянский узор благодаря княгине Марии Тенишевой, Дягилев своей скандальной постановкой «Весна священная» закрепил образ славянской красавицы в западной моде. Он показал публике языческую Русь во всей её красе. Постановка не увенчалась успехом, и казалось, что раздраженные музыкой Стравинского консерваторы даже и не смотрели на сцену, грандиозный скандал не мог обойти моду стороной. Восточные мотивы. Дягилевский триумф ««Шахерезада» задала тон в моде, озарила яркими красками витрины магазинов и дамских платьев, осветила тона всех последовавших театральных декораций. Она перенеслась на сцены ревю и мюзик-холлов, пока Дягилеву самому не пришлось от нее спасаться» — Арнольд Хаскелл. Дягилев — настоящий гений своей эпохи. Интерес европейцев к культуре Востока продолжал расти с новой скоростью, и Дягилев не мог этим не воспользоваться. Сергей Павлович воссоздал восточную сказку в русском балете. Россия долгое время ассоциировалась у запада прежде всего с востоком. Влияние Кавказа, Центральной Азии, Турции, безусловно, имело место, особенно на пограничных территориях. В момент подготовки «Шахерезады» русские войска участвовали в персидской контрреволюции, что оказывало влияние на русскую культуру. Дягилев уходит от культурных клише и показывает театрализованную, фантазийную русскую культуру. «Половецкие пляски» впечатлили парижан своей степной дикостью, а балет «Клеопатра» запомнился публике восходящей звездой, Идой Рубинштейн. Она покорила запад своей модельной красотой. Сам Бакст называл ее богиней. Однако, балетом, перевернувшим мир моды, является именно «Шахерезада». Гаремные шаровары, полупрозрачная одежда, резкие сочетания цветов, предметы декораций — все это незамедлительно покинуло сцену, распространившись вместе с восторгом публики по всему Парижу. А сюжет разрушил консервативные нормы морали. Балет, наполненный чистой сексуальностью, принес элементы эротизма и в западную моду. Модный кодекс претерпел изменения, в одежде появился контраст ярких красок. Мебель, подушки, утварь — все было пропитано атмосферой востока. Русские сезоны и Поль Пуаре Несмотря на то, что знаменитый модельер писал в мемуарах о второстепенной роли господина Бакста в его деятельности, свое восхищение и возможное влияние русского балета на творчество он отрицать не посмел. Уже через несколько месяцев после премьеры «Шахерезады» Поль Пуаре пригласил Дягилева и Нижинского в свой салон, где показал всю красоту восточной экзотики. Но настоящим триумфом в карьере Поля Пуаре стал бал «1002-ая ночь», который стал своего рода данью уважения русскому балету. Отголоски великой эпохи Влияние русского балета продолжалось и после смерти Дягилева. Но именно благодаря Сергею Павловичу запад стал проявлять бескорыстный интерес к русской культуре. Этот интерес не утихал у многих великих кутюрье на протяжении всего XX века. А отголоски влияния русского балета мы можем увидеть и сейчас. Яркие сочетания цветов, легкий эротизм мы можем заметить даже в трендах 21-го года. «У русских я научилась по-настоящему работать. Я не была бездельницей и ничего не делала спустя рукава, но то, что творилось… повергало меня в шок… Я поняла, они гениальны, потому что не боятся отдавать все ради творчества и делать это, пока живы…» — Коко Шанель Автор: Арсений Биньевский

Еще со школьной скамьи у многих сложился не самый положительный взгляд на русскую литературу: кому-то она показалась депрессивной и суровой, кому-то чересчур сентиментальной и романтичной — все это отражения литературных эпох, каждая их которых принесла что-то новое в русскую культуру. Именно из-за непонимания различий в направлениях первое осознанное знакомство с русской литературой очень часто оказывается неудачным. Мир русской литературы необъятен и каждый может найти в нем что-то свое. Осталось только понять, какое направление подойдет беспросветным романтикам, а какое — суровым реалистам и бунтарям. Каждое литературное направление закрепляется за определенной эпохой и отражает в себе мировоззрение людей того или иного века. Классицизм Существовал примерно с середины XVIII до начала XIX века. Классицизм изначально был построен на фундаменте трех единств: • единство времени — действие в произведении должно укладываться в одни сутки; • единство места — действия ограничиваются одним местом; • единство действия — наличие одной сюжетной линии, которая проходит тоненькой нитью через все произведение, или наличие одного конфликта, вокруг которого совершаются все действия. Именно единство действия со временем выходит за границы дозволенного. И это становится причиной, по которой классицизм не пожил чуть дольше. Одного действия начинает не хватать для раскрытия всех проблем эпохи. Уже в комедии Фонвизина «Недоросль» мы видим, что помимо основной сюжетной линии есть и небольшие второстепенные. Однако основным конфликтом все же остается «общественный». Главная задача классицизма — донести до людей того времени «что такое хорошо и что такое плохо» в простой форме. В классицизме нет сложных героев: есть только положительные и отрицательные. Также примеров этой «простой формы» может послужить появление говорящих фамилий. Благодаря говорящим фамилиям читатель может понять характер героя, основываясь на своих ассоциациях. Но чем же все-таки интересен классицизм? Благодаря простоте этого направления мы легко можем проследить позицию автора, его отношение к вопросам воспитания, образования, власти. Автор, как правило, внедряет персонажа, с помощью которого доносит свои размышления до читателя. Сентиментализм Это направление прожило совсем недолго. Главными представителями русского сентиментализма были Карамзин и Дмитриев. Из всех учеников Карамзина типичным сентименталистом стал только Шаликов, который писал как чувствительные стихи, так и повести. Отличительная особенность сентиментализма — это внимание к простому человеку. Сентиментализм — полная противоположность классицизму. Карамзин был первым в России, кто написал о судьбе и переживаниях простой крестьянки — в произведении «Бедная Лиза». Он отбросил дворянское миропонимание и показал нам крестьянский взгляд на жизнь. Помимо процветания культа чувств человека появляется психологизм, позволяющий раскрыть личность героя через неочевидные знаки. И если раньше позицию автора доносил нам один из героев произведения, то теперь автор выражает свои эмоции через природу. Романтизм Смена литературного направления произошла не просто так, а в контексте важных исторических событий: промышленный переворот, строительство различных мануфактур и развитие страны в целом. В отличие от классицизма, романтизм не приветствовал необоснованное восхваление власти, романтиков волновали общественные и политические проблемы. Писатели пытались понять роль человека в событиях, которые происходили в тот период, они тяготели к конкретности и достоверности. Русский романтизм изначально делился на два направления: • созерцательный (Жуковский); • революционный (Рылеев и другие декабристы). Позднее появился философский романтизм, который пытался объединить в себе поэзия и философию. Основными представителями были Веневитинов, Одоевский, Тютчев, Хомяков. Созерцательный романтизм видел счастье не вовне, а в самом человеке, в утверждении высоких нравственных качеств. Революционный стремился к преобразованию мира. Однако оба направления стремились создать антимир в мире искусства. Для Жуковского народность — это гуманное отношение ко всем людям. В творчестве декабристов народный характер был героическим и национально-самобытным. Одним из самых известных романтиков в России можно назвать М.Ю. Лермонтова. Михаил Юрьевич изображал свой поэтический образ пришельцем в незнакомой, неприятной стране, который стремился к лучшей жизни. Зрелость Лермонтова как поэта и писателя была недолгой. Все началось с его стихотворения «О смерти поэта», написанного им в 1837 году в ответ на гибель его кумира А.С. Пушкина на дуэли, а закончилось его собственной смертью на дуэли в 1841 году. В романтизме большое внимание уделяется внутреннему миру человека, авторы старались показать волевое начало в человеке и его стремления к идеалам. Из-за интереса ко внутреннему миру писатели перестали обращать внимание на внешность героев, это перестало быть важным. Также важной чертой романтизма является лирический пейзаж. Он — декорация, которая подчеркивает эмоциональную напряженность происходящего. В описаниях природы отмечалась ее «духовность», ее соотношение с судьбой и участью человека. Реализм Несмотря на то, что ранняя поэзия Пушкина — это романтизм, именно его считают основоположником русского реализма. Это направление пережило модерн и даже постмодерн. Эпоха реализма длится и по сей день, но зародилась она еще в далекие 30-е годы XIX века. Причина такой долгой жизни очень проста: реализм отражает реальность без преувеличений и искажений. Главный герой, как правило, сложный и неоднозначный. Сам автор не всегда полностью понимает героя, так как главный герой — такой же простой человек, у которого свои мысли, свои проблемы, свой характер. Он может отражать черты характера автора, но не является его отражением. Для реализма важно показать, как меняется герой в течение всего произведения, как те или иные события отражаются на его мировосприятии. Герой в реализме всегда страдает или испытывает сильные переживания. Это может наблюдаться как в отдельных частях произведения, так и на протяжении всей сюжетной линии. В отличие от романтизма, главного героя в реализме редко ожидает счастливый конец. Также происходит рассвет психологизма. Один из частых психологизмов, которые используются в реализме — это сон. Ведь именно он лучше всего дает нам понять, что чувствует герой, о чем переживает или мечтает. Теперь автор позволяет нам самим интерпретировать личность героя. Реализм XIX века больше волнует судьба простого человека и будущее России, но уже в XX веке главная проблема реализма — становление личности человека и влияющие факторы. Представители реализма по праву считаются «русскими классиками». Автор: Арсений Биньевский

«Фантазия ― не тот цветок, что растет на почве пассивности, ему нужна решимость» ― Эльза Скиапарелли Человеку, далекому от моды, имя Эльзы Скиапарелли говорит совсем немного, а то и вовсе ничего. Причиной тому послужили культурный кризис во времена политики «железного занавеса» и закрытие модного дома в послевоенное время, люди спустя десятилетия попросту начали забывать о наследии великого дизайнера. Но модный дом Скиапарелли после своего возрождения снова начал интересовать модного читателя. Великая женщина, королева шока, которая перевернула мир моды XX века. Шлейф ее наследия дошел и до наших дней, выходя далеко за рамки днк модного дома. Путь к успеху Родилась Эльза в очень образованной и аристократической семье, ее первые шаги были сделаны в прекрасном римском дворце. Эльзу с самого детства окружали искусство и глубоко культурное окружение, что не могло не повлиять на ее восприятие. Успех к Эльзе пришел в осознанном возрасте, на момент открытия модного дома ей уже было за 35 лет. Она переехала из Америки в Париж в поисках работы. Период в жизни в США для нее был непростым, так как из-за Первой мировой войны все денежные переводы из Италии в Америку были приостановлены. Обеспеченная мать ничем не могла помочь, поэтому Эльза работала стенографисткой, чтобы прокормить себя и дочь. Ее карьера в модной сфере началась со знакомства с Полем Пуаре, к которому она пошла наниматься на работу. Взглянув на рисунки, он сумел разглядеть в Эльзе творческий потенциал. И даже подарил Эльзе прекрасное платье, которое ей было в то время не по карману. Большую поддержку также оказала Мадлен Шеруи, первая женщина, владевшая крупным модным домом во Франции. Ее модный дом продолжал работать даже в период Первой мировой войны. Но после закрытия модного дома в 1935 году Эльза выкупила дом у Шеруи и тем самым помогла ей финансово в нелегкий момент. Несмотря на поддержку, Эльза начинала очень скромно, она открыла первый, как бы мы сейчас сказали, шоурум. Ее первым творением был простенький свитер с сюрреалистичным по тем временам рисунком в виде белого банта. Сама Эльза никогда не шила ― она нашла армянских вязальщиц, которые воплотили ее эскиз в жизнь. Об Эльзе заговорили как о специалисте по спортивному стилю, что не могло не сыграть ей на руку. Ведь в 1924 году в Париже прошли Олимпийские игры, и идея спортивной женщины набирала обороты. На руку также сыграл Биржевой крах 1929 года, который стал началом Великой депрессии. На волне кризиса успех Эльзы взметнул вверх, невысокая цена и практичные вещи стали востребование индивидуального пошива. Эльза хотела создавать простые вещи, которые можно комбинировать. Она первой придумала то, что мы сейчас называем мудбордом. И ее спортивный стиль стал предшественником pret-a-porter ― недорогой удобной одежды, которая сразу готова к носке. В автобиографии про вдохновение она пишет следующее: «Не знаю, что отвечать людям, которые спрашивают, где я черпаю свои идеи. Откровенно говоря, чаще всего они приходят ко мне в такие вечера или во время загородных прогулок на авто, а не на роскошных балах. Простота и изобретательность тех, кого в Англии называют «трудящимися», вдохновляли меня, потому что продиктованы удобством или необходимостью». Модный триумф В 1933 году Эльза создает свое первое платье с фрачным жакетом, это стало началом ее карьеры как кутюрье. Позднее она начинает брать публику новизной: укороченные брюки клеш, маленькие вязанные шапочки, подплечники и платье с сутулым позвоночником. Эльза по-своему видела женский силуэт. Очередным шагом, предопределившим триумф, стала продажа большого количества акций, что принесло ей немаленький доход. Благодаря этим средствам она выпускает свою первую парфюмерию. Флакон самых знаменитых ее духов «Shocking» был сделан в виде женского манекена, позднее этот силуэт повторил уже другой известный дизайнер Жан-Поль Готье. Вскоре Эльза выходит в свет и мгновенно захватывает публику. Скиапарелли любила фотографироваться и делала это в стиле античных фигур. Но больший фурор она производила своими нарядами, чего только стоит накидка из куриных перьев. Эльзу полюбили за то, что она создавала наряды, которые не вписывались в рамки консервативного общества. Она была первой, кто использовал видимые широкие молнии на платьях, до этого молнии было принято прятать. Также Скиапарелли создавала тематические коллекции, например, «Зодиак». Эльза была очень известна своим сотрудничеством с художниками. Она ввела в моду сюрреализм. Необычные шляпы, оригинальные пуговицы ― все это делалось прежде всего для того, чтобы шокировать публику. В сотрудничестве с Дали она создала «Лоскутное платье», которое имитировало эффект потертости, бархатную сумочку в виде телефона, и знаменитое платье с омаром. Благодаря ее совместной работе с Пикассо мир впервые увидел платье с газетным принтом. Она очень любила экспериментировать с тканями, и привычный для нас прозрачный дождевик появился с эскизов Эльзы. Эти эксперименты с цветом и кроем привели ее к созданию «Шокирующе-розового» платья, так мир увидел новый цвет ― шокирующая фуксия. Эльза также выпускала коллекции нижнего белья. Самым известным ее творением был бюстгальтер, который создавал иллюзию обхвата груди руками. Нет подтверждения тому, что Скиапарелли придумала раздельный купальник, но она была одной из первых, кто представил революционную модель. Послевоенное время. Конец эпохи К сожалению, Вторая мировая война не обошла стороной и Эльзу. В отличие от своей конкурентки Шанель, она не была замечена в сотрудничестве с немцами. Эльза вернулась в Америку, где читала лекции и помогала посылками парижским детям. Модный дом продолжал свою работу, но фактически им руководил поставленный Эльзой человек. Шанель закрыла свой дом, но торговала духами для оккупантов и завела роман с немецким генералом. После войны мода изменила свой вектор. «New look» Диора стал новым модным феноменом, который был с восторгом воспринят людьми, пережившими войну. Время Скиапарелли прошло, она создавала элегантные шляпы и перчатки, но была уже в преклонном возрасте, и даже юный модельер Убер де Живанши не смог спасти модный дом от упадка. Наследие Эльзы настолько большое, что его сложно описать двумя словами. Ее изобретения дизайнеры используют и по сей день. За многими вещами, которые мы встречаем в повседневной жизни, стоит длинная история появления на свет. Автор: Арсений Биньевский

Эстетика, вдохновленная классической литературой и философией, быстро распространилась среди фанатов библиотек, гуманитарных наук и винтажных вещей. Эстетика dark academia зародилась много лет назад на просторах Tumblr, но наибольшую популярность обрела в период пандемии covid-19, хэштег #darkacademia со скоростью света покорил TikTok. С приходом дистанционного обучения «темная академия» помогла многим студентам оставаться мотивированными и преуспеть в учебе в такой нелегкий для всех период. Пандемия привела к социальной разобщенности, но академическая эстетика помогла студентам объединиться в рамках субкультуры. Темная академия как литературный жанр Произведения данного жанра очень часто приравнивают к жанру университетского романа, так как сюжет вращается вокруг академического кампуса. Однако это сравнение не совсем корректно: университетский роман ― более широкий термин и не всегда включает в себя черты темной академии. В основе романа темной академии часто лежат черты философии экзистенциализма, темы моральной неопределенности, романтизация учебного процесса. Гуманитарные науки нередко становятся главным интересом главных героев. В основе произведений часто лежит крепкая дружба или отношения, которые далеко не всегда являются здоровыми. Важной чертой жанра также является трагедия, которая оказывает сильное влияние на персонажей. Однако некоторые произведения, которые относят к жанру dark academia, могут не содержать характерные черты по причине того, что причисляются на основе атмосферы романа. Очень часто два произведения этого жанра могут не иметь ничего общего, но являться частью субкультуры. Поэтому назвать темную академию поджанром университетского романа тоже нельзя. Вот такой парадокс академической эстетики. Литература: 1. Философия ( античные философы и философия экзистенциализма) 2. Классическая зарубежная литература ( Джейн Эйр, грозовой перевал, портрет Дориана Грея) 3. Поэзия эпохи романтизма ( Байрон, Вордсворт) 4. Произведения жанра темной академии: • «Тайная история» Донна Тартт (считается создателем темного академического жанра); • «Демиан» Герман Гессе; • «Все лето в один день» Рэй Брэдбери; • «Если бы мы были злодеями» М.Л. Рио. Фильмы с эстетикой темной академии: • Общество мертвых поэтов, 1989 • Убей своих любимых, 2014 • Клуб бунтарей, 2014 • Морис, 1987 Гид по стилю Стиль данной эстетики ― повторение моды 30-40х годов, особенно важное место занимают предметы одежды, которые носили ученики Лиги плюща. Гардероб dark academia включает в себя одежду темных, приглушенных оттенков. Для парней есть одно правило, которое поможет разобраться в стиле данной эстетики, и звучит оно так: представьте, что бы носил успешный профессор английского университета. Стоит отдать предпочтение классической одежде из таких материалов, как твид и шерсть. Гардероб девушки не обойдется без простой белой рубашки, водолазок темных цветов, пары жилеток, юбки миди или пары черных брюк. Выбирая обувь, стоит ориентироваться на свой стиль, это могут быть лоферы, ботинки челси или туфли-лодочки. Из верхней одежды стоит выбрать длинное шерстяное пальто, желательно черного или темно-серого цвета, клетчатый или твидовый пиджак в серых или коричневых тонах. Отрицательные стороны темной академии Темную академию часто критикуют за демонстрацию классового неравенства, что иногда граничит и с расизмом. В книгах этого жанра часто романтизируют абьюзивные отношения, психические заболевания, вредные привычки. Герои произведений часто ставят учебу превыше своего психического и физического здоровья. Поэтому погружаясь в эту неоднозначную эстетику, стоит отделять зерна от плевел: перенимать ее положительные черты и избегать отрицательного воздействия. Автор: Арсений Биньевский

Творческий путь Ива Сен-Лорана берет свое начало еще в глубоком детстве. Юный Ив наблюдал за утонченным образом жизни светских людей Орана, когда те приходили в дом семьи выпить чаю, обсудить последнюю моду и пьесы, которые они видели. В интервью мать Ива Матье Сен-Лорана вспоминала, что когда ему было три года, он плакал, если ему не нравилось платье матери. Мама была первой музой Ива, она всегда была одета со вкусом, что вдохновляло его и вызывало интерес к моде того времени. Путь модельера Ив начал с бумажных кукол, для которых он создал целый гардероб: более пятисот предметов одежды для одиннадцати кукол, вырезанных из журналов матери. Таким образом, Сен-Лоран уже проявлял свой талант в качестве модельера. Большую роль в формировании эстетического вкуса модельера сыграл и сам город Оран. Северная Африка одна из самых красивых частей нашего света. Алжир ― это прекрасная смесь французского арт-деко и старого города с его уникальной архитектурой, который включал в себя византийский и мавританский элементы стиля. Страсть к театру возникает у Ива в 13 лет, когда он увидел постановку «Школа жен» Мольера с Луи Жуве в главной роли. Для Ива это стало настоящим откровением, это был один из первых его театральных опытов. Вдохновившись этой театральной комедией, Ив создает свой маленький импровизированный театр: небольшой короб, который включал в себя особую систему размещения декораций и постановки света. Декорации и костюмы к картонным героям Сен-Лоран создавал из подручных материалов: это могли быть листья, вырезки из газет и журналов, небольшие кусочки ткани. Костюмы к спектаклю «Школа жен» создал известный художник Кристиан Берар. Художник играл крупную роль для парижской сцены середины двадцатого века. Его публиковали в известных модных журналах, он работал с ведущими модельерами того времени: с Эльзой Скиапарелли, Коко Шанель и Кристианом Диором. Берар был одним из главных вдохновителей Сен-Лорана. Первые рисунки Ива Матье Сен-Лорана, которые хранятся в музее кутюрье, датируются 1951 годом, это были эскизы костюмов для театра и балета. Ведь изначально Ив и не думал о карьере дизайнера, он мечтал стать театральным художником. В его рисунках не совсем уверенно просматривалась перспектива, но уже был виден талант молодого модельера: прекрасные цветовые ассоциации, хорошо детализированная и очень специфичная одежда, которая позволяла понять какой тип ткани будет подходящим. Сен-Лоран подписывал свои работы как «Yves Mathieu Saint Laurent», но также была подпись и в виде аббревиатуры «YMSL», «Матье» уходит из подписи приблизительно в период работы у Диора. Помимо рисунков Сен-Лоран также делал иллюстрации к книгам и написал две своего рода сатиры. Ив Сен-Лоран и Париж В 1953 году Ив Сен-Лоран принимает участие в ежегодном конкурсе Secrétariat International de la Laine в Париже и занимает третье место в категории платьев. В состав жюри вошли известные кутюрье, такие как Юбер де Живанши и Кристиан Диор. Международный секретариат представлял производителей шерсти, поэтому важной задачей было продвижение шерсти в то время, как покупателей больше привлекали синтетические ткани. Конкурс состоял из трех категорий, в которых мог участвовать каждый кандидат: пальто, костюмы и платья. Сен-Лоран занял третье место в одной из категорий. Благодаря связям отца во время первого пребывания в Париже Ив встретился с главным редактором парижского Vogue Мишелем де Брюноффом, с которым продолжал переписываться даже после возвращения в Оран. Де Брюнофф призывал его продолжить карьеру в моде и посоветовал ему поступить в École de la Chambre, одно из учреждений Синдиката высокой моды. В письме Мишель де Брюнофф отмечал, что у Ива безусловно есть задатки модельера, рекомендовал ему больше работать с натурой, рисовать пейзажи, портреты, натюрморты. Также отмечал положительное влияние Берара на творчество Ива. Ив Сен-Лоран в обратном письме писал, что хотел бы, как и Берар, совмещать работу для театра с карьерой кутюрье. Ив так и поступил, несмотря на то, что Кристиан Диор не поддерживал страсть Ива к театру. В следующем году Сен-Лоран снова участвует в конкурсе и занимает первое место в одной из категорий, разделив тогда первенство с Карлом Лагерфельдом, который победил в категории «пальто». Ив создал прекрасное коктейльное платье из черного крепа с ассиметричным декольте, которые потом будет сшито в ателье Юбер де Живанши. Карл Лагерфельд и Ив Сен-Лоран дружили на протяжении 20 лет, пока их не рассорил любовный треугольник, во главе которого был денди, французский аристократ Жак де Буше. На момент участия в конкурсе Карлу Лагерфельду был 21 год, немецкий дизайнер до конца жизни был главным модельером таких модных домов, как Fendi и Chanel. В сентябре 1954 года Ив Сен-Лоран уехал из Орана в Париж в возрасте 18 лет, сразу после получения степени бакалавра. В июне 1955 года Ив Сен-Лоран снова встретился с Мишелем де Брюноффом и показал ему около пятидесяти недавних эскизов. Де Брюнофф был немедленно поражен талантом молодого человека и близким сходством его рисунков с образцами А-силуэта Кристиана Диора. Он устроил Сен-Лорану встречу с Диором, после которой молодого человека сразу же наняли для работы в ателье кутюрье. Диор к тому времени был уже человеком немолодым, а создавая по четыре коллекции в год, очень сложно сохранять тот же запал в работе. Ив Сен-Лоран стал находкой для Диора. Дело в том, что Диор работал методом наколки на живой манекенщице, и на создание одного простого платья уходило больше 25 метров ткани. И узкий силуэт, в котором работал Ив, был то, что нужно для Диора. В Dior Ив Сен-Лоран был окружен исключительными людьми, которые, несомненно, повлияли на его жизнь. В этот период он также познакомился с балериной Зизи Жанмер и хореографом Роланом Пети, для которых позже спроектировал множество костюмов и декораций. Впервые рисунки костюмов он сделает в 1959 для балета Ролана Пети «Сирано де Бержерак». 24 октября 1957 года Кристиан Диор умер от сердечного приступа во время пребывания в Монтекатини, Италия. Согласно его желанию, Ив Сен-Лоран стал его преемником и был назначен художественным руководителем дома высокой моды в возрасте 21 года. Хотя они еще не были знакомы, Ив Сен-Лоран и Пьер Берже присутствовали на похоронах Диора. Берже и Сен-Лоран встретились лишь через несколько месяцев за ужином уже после показа первой коллекции. Это было началом крепкой, великой дружбы. В 10:00 утра в четверг, 30 января 1958 года, Ив Сен-Лоран собирался представить свою первую коллекцию для Christian Dior. Через час последовали овации. Пресса пребывала в состоянии эйфории, пытаясь увековечить дебют «маленького принца моды», а группы поклонников плакали от радости. Для этой коллекции Сен-Лоран создал более 600 рисунков. Смерть Кристиана Диора сильно повлияла на юного Ива. И так как юный кутюрье понимал, что причиной смерти была диета, он создал силуэт «Трапеция», которая внешне чем-то напоминал русский сарафан, но никакой связи с ним не имел. Но его последняя коллекция для Dior была очень темной, из-за чего Сен-Лоран казался капризным и провокационным дизайнером. Надо понимать, что клиентки Диора ― это дамы возрастные, а Ив был модельером уже нового поколения. Обеспокоенное руководство модного дома решило избавиться от Ива Сен-Лорана. 1 сентября 1960 года он был призван на военную службу, конечно не без помощи руководства модного дома, которое по слухам было связано со спонсированием военного конфликта. Вскоре после этого он был госпитализирован в Валь-де-Грас из-за депрессии. Дом Dior теперь мог разорвать с ним контракт, признав Ива психически нездоровым, и ему быстро нашли замену в лице Марка Боана. Когда Пьер Берже сообщил эту новость, Сен-Лоран был подавлен, но вскоре было принято решение, что Ив Сен-Лоран откроет свой модный дом. Ив Сен-Лоран и модная революция 4 декабря 1961 года дом от кутюр распахнул свои двери. Первое платье с надписью «00001» было доставлено мадам Патрисии Лопес-Уиллшоу, важной общественной фигуре после войны. В 1961 году Ив Сен-Лоран и Пьер Берже попросили графического дизайнера Кассандра разработать логотип дома. Для Ива Сен-Лорана он создал монограмму из трех простых переплетенных инициалов, которая была элегантной и современной, как и молодой человек. Вначале Ив Сен-Лоран вдохновлялся мужской одеждой. В 1962 году он обратил внимание на бушлат ― толстое шерстяное пальто, которое моряки носили для защиты от холода. Он не прилегал к бедрам и был идеальным для женщин, которые еще не чувствовали себя достаточно смелыми, чтобы носить брюки, подчеркивающие женскую форму. Кутюрье продолжит предлагать вариации темно-синего образа, в частности, матросский свитер и палитру из своей коллекции 1966 года. Тренч ― еще один пример фирменного стиля Сен-Лорана. Плащи изначально носили английские офицеры во время Первой мировой войны. Ив Сен-Лоран сократил длину плаща, которая изначально была до икр. 26 сентября 1966 года Сен-Лоран стал первым кутюрье, открывшим под своим именем бутик прет-а-порте. Вместо того, чтобы рассматривать готовую одежду как более дешевую версию высокой моды, он создал совершенно отдельную коллекцию и с такой же тщательностью отнесся к прототипам. 1966 был годом начала сексуальной революции в моде: постепенно раскрылось женское тело. Ив Сен-Лоран сделал женскую грудь видимой, слегка прикрыв ее прозрачной блузкой. В коллекции осень-зима 1966 года Ив Сен-Лоран представил свое самое культовое изделие ― смокинг. Однако смокинг Сен-Лорана не был точной копией мужского смокинга. Он использовал те же коды, но адаптировал их к женскому телу. Смокинг Сен-Лорана оказался слишком опередившим свое время и изначально был отвергнут его клиентурой от кутюр. Был продан только один экземпляр, однако версия для SAINT LAURENT Rive Gauche имела успех. Более молодые клиенты поспешили приобрести его, сделав смокинг классикой. Сен-Лоран продолжал включать его в каждую из своих коллекций до 2002 года. Через год после смокинга Ив Сен-Лоран предложил свой первый брючный костюм в коллекции весна-лето 1967. Это был необычный дизайн костюма, который традиционно носили с юбкой. Так же, как он сделал для смокинга, Сен-Лоран адаптировал традиционно мужской костюм к женскому телу. Рукава были подогнаны, а талия пристегнута ремнем. Он добавил типично женские аксессуары, такие как каблуки и украшения, но его модель по-прежнему носила галстук и фетровую шляпу. В 1967 году Ив Сен-Лоран впервые представил куртку-сафари. Тем не менее, это был разовый дизайн, созданный для фоторепортажа Vogue, который прославил стиль сафари и быстро превратил его в классику. Его вдохновляла как форма, которую носил Африканский корпус, так и, в более широком смысле, одежда западных мужчин в Африке. Он идеально воплотил дух свободы, зародившийся в 1960-х годах, а также новую форму соблазнения. Как и куртка-сафари, комбинезон впервые был показан в коллекции Весна-Лето 1968 года. Первоначально это была функциональная одежда, которую носили авиаторы, ее объем скрывал форму мужского тела. Вдохновленный мужской одеждой, Сен-Лоран разработал свой комбинезон, чтобы добиться противоположного эффекта, открывая изгибы женского тела. В сочетании с высокими худыми женщинами комбинезон создавал элегантный силуэт. Ив Сен-Лоран был творцом своей эпохи, который одновременно транслировал и реформировал ее. Он не боялся поразить публику чем-то новым, он менял, обновлял, преобразовывал, принимая игру в коллекции, но, тем не менее, умудрялся сохранять и старые модели, которые четверть века кочевали от одной коллекции к другой. Ив учитывал скоротечность моды и выбрал целью помочь каждой женщине обрести свой стиль. Автор: Арсений Биньевский

В книге «Кради как художник» Остин Клеон пишет: «Всякий хороший художник знает: ничто не появляется из пустоты. Все результаты творчества опираются на созданное раньше. Нет ничего абсолютно оригинального». Мода — сфера, которая основана на заимствовании и без вдохновения искусством и культурой не существовала бы вовсе. Вдохновение другими странами и их культурой помогали открыть дизайнеру новые горизонты в творчестве. Так, Ив Сен-Лоран, который провел значительную часть своей жизни в Алжире и Марокко, часто вдохновлялся восточным костюмом. Читая книги о других культурах, он фантазировал и потом переносил свои мысли на бумагу. Именно так зарождались коллекции, посвященные Китаю, русскому балету, Испании и Африке. Но современные реалии диктуют новые условия — теперь дизайнеры должны быть аккуратны в своих действиях, если это касается культуры других стран и меньшинств. Ведь то, что для них кажется невинным заимствованием, может оказаться культурной апроприацией. «Мода» в двадцать первом веке кардинально изменилась, поскольку глобализация, технологические инновации и рост интернета стали основными факторами развития проблемы культурного заимствования. На сегодняшний день одежда все чаще стала восприниматься как средство самовыражения, а не как признак статуса или профессии. Проблема идентичности в моде меняется с разной скоростью по всему миру, поскольку регионы связаны с глобальным миром или же все еще привязаны к своим местным традициям и наследию. В современных реалиях Запад и Восток отличаются подходами в различных областях: религии, обществе и моде. Кроме того, мода не статична, поскольку опирается на идеи, изменяющиеся с течением времени, которые также породили разные традиции мышления в соответствии с точкой зрения, принятой как привилегированная. Даже несмотря на то, что «Восток» и «Запад» часто понимаются как две абстрактные категории, Восток не только соседствует с Европой (как и Европа с ним), но и является источником ее цивилизаций и языков. Притом, именно в этом регионе Восток и определил Европу как ее контрастный образ (идею, личность, опыт), а также дал понять, что она является частью континента. Более того, в исторической перспективе через смену «моды» можно уловить социальные трансформации, характерные для западного общества, которые являются признаком разделения общества на иерархии, появления новых социальных классов или эмансипации женщин. Необычное использование культуры — это тема, которая существует довольно давно и вызывает большой переполох. Это может быть определено как взятие предмета, который имеет значение для чьей-либо культуры или наследия, и по сути означает кражу его идей. В зависимости от того, как вы выглядите, это может варьироваться от ношения простого наряда с экзотическим платьем, хорошо известным в определенных культурах, до использования их в качестве костюмов. Мода берет определенные предметы из общества и лишает их этнического значения, тогда в игру вступают дебаты о присвоении культуры. В этом случае есть тонкая грань, которая отделяет культурное присвоение от вдохновения. Неоднократно обсуждался вопрос о том, как модели передают «сообщения» на подиуме и в журналах, надевая культурные символы в качестве предметов моды. Это не новое явление, однако эта тема восходит к истории колонизации, империализма и превосходства. Данная проблема имеет отношение ко временам колонизации Америки. После европейцев в эпоху Просвещения пришли американцы. Колониальные державы обменивались не только природными, но и культурными ресурсами. Известные люди в индустрии моды призывали черпать вдохновение из определенных культур и использовать их в качестве заявления о моде, не учитывая ценности этих культур для других цивилизаций. Неприятное чувство для людей, которые считали, что индустрия моды формирует стереотипы об их нации и обычаях. Дизайнеры должны быть лишены каких-либо оправданий, чтобы воровать у культур и получать прибыль от этих дизайнов. Однако мода не только демонстрирует свое восхищение культурой с помощью текстиля, но и создает его. При изучении королевского придворного платья и портретов XVIII века Марии Антуанетты можно увидеть шелка, выполненные в азиатском стиле. Одной из таких вещей была импортная индийская кашмирская (пашмина) шаль, предшественница супертренда 90-х. Переходя в XX век, инновации в развитии текстиля позволяют получить коммерческую прибыль и успех за счет художественной лицензии. Такие кутюрье, как Чарльз Фредерик Уорт, который переосмыслил стили костюмов эпохи Возрождения, чтобы создать один из самых влиятельных домов для женщин того времени, задавали тон определенной моде. В то время как новаторы, такие как Поль Пуаре и Мадлен Вионне, возродили неоклассические силуэты, подчеркнув влияние Африки, Японии, Индии и Америки, исходные культуры и ремесленники часто оставались незамеченными. Между тем, интерес к Востоку в XX веке был связан прежде всего с триумфом русского балета, когда Дягилев представил сказочную Россию, которая тогда ассоциировалась с Востоком. Иной раз случается так, что присвоение происходит путем заимствования методов текстильного дизайна. В этом случае важно преподавать историю ткани с точки зрения социальной справедливости. Не все проблемы в культуре связаны с быстрым темпом производства и безответственным подходом. С другой стороны, у дизайнеров нет времени на то, чтобы объяснить или проконсультироваться с носителями другой культуры. В первые дни торговли, когда были открыты двери для культурного обмена, увеличение продаж и выход экзотических тканей на новые рынки уступили место культурному присвоению. Поэтому компании, которые допускают оплошности на сегодняшний день, могут быть подвергнуты культурной апроприации. Культурное присвоение, с одной стороны, может быть торжеством этого культурного обмена, если оно осуществляется уважительно и со вкусом. Но оно также может брать от культуры и наследия людей, часто полностью исключая носителей из истории. Таким образом, от дани уважения до преступления всего один шаг. Вместо того, чтобы быть более распространенным и менее оспариваемым, сегодня модные дома, бренды одежды или дизайнеры наказаны за ошибки в культуре модного присвоения. Не все, по мнению тех, кто выступает против этого вопроса, черпали из других культур для собственной выгоды и прибыли. Теперь это считается оценкой модного тренда или присвоением? Эта задача, которая требует решения. К примеру, модный бренд Gucci также столкнулся с негативной реакцией на культурную принадлежность после осеннего показа 2018 года, где были представлены белые модели в тюрбанах. Последнее разочарование последовало после того, как бренд выставил тюрбан на продажу в Nordstrom за 790 долларов. После этого в социальных сетях группа сикхов, которая носит тканевые головные уборы в рамках религиозных обрядов и выступает за духовные права, заявила: «Тюрбан — это не просто аксессуар для монетизации; он является религиозным символом веры миллионов сикхов. Некоторые полагают, что это культурное присвоение неуместно». Другой скандальный случай был связан с тем, что у чернокожих людей есть озабоченность в связи с дресс-кодом на рабочем месте, который запрещает или препятствует тому, чтобы они носили естественные прически. Марк Джейкобс позволил Джиджи и Белле Хадид выйти на подиум в париках с длинными дредами, это подчеркнуло дисбаланс в мире. Представитель Джейкобса сказал, что прическа была вдохновлена американским режиссером и продюсером Ланой Ватсон, но он не признал происхождение стиля или духовный смысл растафарианства. На сегодняшний день проблема культурной апроприации стала так актуальна из-за условий труда рабочих на фабрике и расовой дискриминацией. Данная проблема уходит корнями еще ко временам колонизации. «Указание источников вдохновения имеет важное значение, и перевод, если он сделан, должен уважать и демонстрировать понимание первоначального источника вдохновения — если этого не сделать, культурное наследие будет уменьшено, — сказала Эуланда Сандерс, заведующая кафедрой одежды, мероприятий и гостиничного бизнеса в Университете штата Айова. — Мода — самое дорогое дитя капитализма. Если кто-то хочет понять капитализм и его законы, он должен понять моду. Прогресс в моде диктуется постоянно возрастающей скоростью, а капитализму свойственна погоня за прибылью. Если вы просите дизайнера производить так много коллекций в год, что само по себе является невыгодным предложением, вы не можете ожидать, что дизайнер проведет надлежащее исследование». Поскольку мода основана на цикле трендов, использование культурного символизма в качестве вдохновения может длиться какое-то время, но как только заимствование считается приемлемым, повторение на рынке неизбежно. Проблема апроприации в мире моды очень сложна. Если рассматривать ее в исторической перспективе, то можно увидеть, как и Восток заимствовал одежду и ткани у западной культуры. Таким образом, дизайнеры должны изучать культуры и отдать им должное уважение во избежание конфликтов и судебных разбирательств. Автор: Арсений Биньевский

«Если бы мои платья были из бронзы, меня называли бы скульптором». Пьер Карден В 1960-е годы футуристический дизайн стал заметен благодаря политическим волнениям, которые сотрясали страну. Вторая мировая война была еще на памяти людей, а холодная война нависла над жизнью, поэтому люди были полны неуверенности в будущем. Однако общество нашло способ видеть мир в позитивном свете, искать светлое будущее на земле и черпать вдохновение из космической гонки и новых технологических достижений. К счастью, космические гонки показали, что они могут сделать для будущего. На короткий период времени эта идея технологической утопии возглавила мир дизайна в 1960-х годах. Это было оптимистическое видение мира, где вера людей науки улучшает жизнь. Многие достижения в области материалов и технологий были созданы для военных целей, однако попали в популярную культуру. В 1909 году Филиппо Маринетти написал манифест футуристов и заявил, что искусство должно шокировать тех, кто его видит, оно должно быть новым и провокационным. Он породил движение, популярное в Италии и Европе в послевоенный период 1920-х и 1930-х годов. Одним из главных идеалов футуристов было то, что люди должны жить в настоящем времени и отвергнуть романтизм. В центре внимания ― отказ от прошлого с целью найти функциональный футуристический образ жизни. Хотя манифесты футуризма охватывают все аспекты жизни, «Манифест футуристов о мужской одежде» Джакомо Баллы, опубликованный в мае 1914 года, показывает, что многие идеалы являются предшественниками моды космической эры. Балла желал, чтобы одежда была «динамичной» и яркой, с интересными формами и цветами, эффектными и заметными, отвергая мягкие тона, симметрию и узоры одежды прошлого. Одежда также должна обеспечивать свободу движений тела ― это основной критерий того, что должно было произойти в моде космической эры. Несмотря на то, что манифест Баллы относится именно к мужской одежде, многие идеи были взяты на вооружение дизайнерами стиля космической эры при рассмотрении как женской, так и мужской одежды. Таким образом, понятие футуризма и основы, которые лежали в принципах космической моды, были заложены еще в начале XX века. Первым модельером, кто обратил свой взгляд на космос, была Эльза Скиапарелли, которая выпустила коллекцию с зодиакальными и космическими изображениями. Мы также знаем, что увлечение астрономией повлияло на первые коллекции Кристиана Диора 1950-х, но все это были романтизированные фантазии о космосе без реальной жизни. В 1960-х мода перешла от бесплотных теорий к практике, и появились ткани с металлическим блеском и облегающим силуэтам. Первыми звездными первопроходцами фэшн-индустрии стали Пьер Карден и Андре Курреж. В 60-е годы космос наконец становится не мечтой, а реальностью. И, конечно, не может обойти стороной моду. В юности Карден изучал архитектуру, а затем занялся модой. Он работал на Диора с 1946-го по 1950 год, и предполагалось, что после ухода Диора на пенсию Пьер займет его место. Однако вместо этого Карден основал свой собственный дом моды. Разрабатывая коллекцию готовой одежды, он стремился дать доступ к моде большему числу людей, что и побудило его создать линию. Хотя в то время это не одобрялось, так как мешало эксклюзивности дизайнерских изделий, снижая их ценность. Тем не менее, это определило будущее моды для последующих поколений. Создание этой линии ― явное свидетельство дальновидных идей Кардена. Карден рассматривал мир одежды как глобальное явление, а не только как западный идеал. Он распространил свой бренд на такие страны, как Япония, Китай и Россия, что привело к признанию его дизайна за пределами западного мира, а также дало ему возможность получать прибыль от этих новых рынков. В 1960-е годы Карден лицензировал свой бренд компаниям по всему миру, последствия чего можно наблюдать и сегодня, поскольку многие товары до сих пор носят лейбл Pierre Cardin — например, духи, мыло и другие предметы домашнего обихода. Карден был очень заинтересован в создании платьев скульптурной и геометрической формы, что, по-видимому, было связано с его опытом работы в архитектуре. Он отказался от классического облегающего платья и вместо этого стремился к созданию более необычных форм. В 1968 году он разработал и запатентовал собственную ткань под названием Cardine, которая представляла собой синтетическую шерсть и устраняла необходимость в швах. Знаменитый модельер Пьер Карден, который является одним из самых известных в мире дизайнеров, представил свою новую коллекцию Cosmocorps 1964 года. На создание этой коллекции дизайнера вдохновил полет Валентины Терешковой, с которой впоследствии он был связан крепкой дружбой. Карден показал свои представления о том, что люди будут носить во время полета в космос. Дизайнер использовал промышленные молнии и металлические украшения с особой щедростью. Творчество Кардена было связано с архитектурной формой, поэтому в серии активно использовались геометрические фигуры. Другим известным дизайнером эпохи космической моды был Андре Курреж, который получил диплом инженера, прежде чем изучать дизайн одежды. Ему довелось поработать в качестве закройщика у Баленсиаги с 1945 по 1961 годы. Позднее он основал свой собственный дом моды Courreges вместе с женой. Как и Мэри Куант, он создал мини-юбку: Куант продавала юбки на центральной улице Лондона, а Курреж вывел их на подиумы Парижа в 1961 году. В то же время он использовал навыки, полученные им как портным при пошиве мужской одежды, для создания женской одежды, которая не будет ограничивать подвижность. Его творения были простыми и элегантными, с прямым силуэтом в стиле футуризма и конструктивизма, а швы подчеркивали конструкцию и форму одежды, придавая ей архитектурный вид. Курреж был очень функциональным и практичным модельером. Он взял известные черты мужской одежды, но создал нечто новое с сохранением женственности в одежде женщин-моделей. В основном он использовал двух- или трехслойные ткани габардин, именно эта тяжелая ткань помогала придать одежде структурированный и приталенный вид. Курреж не любил каблуки на женщинах, поэтому для своей коллекции он создал первые плоские сапоги из белой кожи. Обувь и сапоги дали женщинам свободу движений в одежде, что не всегда было характерно для кутюр. Андре Курреж отреагировал на инновационный рост, который произошел в исследовании космоса. Как и Карден, в 1964 году он выпустил коллекцию вещей и аксессуаров из пластика и металлизированных тканей. Он сочинял образы для «лунной девушки», которая была придумана им самим. По замыслу Куррежа, девушка должна была ходить по Луне в лаконичных платьях мини, узких брюках и коротких куртках. Космический образ завершали шляпа-шлем и большие солнечные очки, а также высокие ботинки с пластиковыми вставками на плоской подошве. Сочетание цветов в коллекции — белый, бледно-розовый и голубой ― напоминает о космосе, а контрастный оранжевый отсылает к скафандру Гагарина. Стиль модельера был усовершенствован и в новой технике кроения. Он сумел создать одежду, которая казалось настолько легкой, что ее можно было принять за невесомую. Сыграли и круглые вырезы в зоне спины и живота, и треугольные силуэты платьев мини, в которых Курреж стремился связать верхнюю и нижнюю части фигуры: его мини-платья ниспадали с плеч, расширяясь к подолу, что и создавало желаемый эффект — одежда будто парила в невесомости в отрыве от тел. Думая об эргономике и удобстве, так необходимых в космосе, Курреж решил, что его модели будут носить вещи на голую грудь — без бюстгальтера, поскольку в космосе не до лишних сковывающих вещей. Самая знаменитая и популярная коллекция «Courrèges Space Age» была выпущена в 1964 году. Конечно, она больше напоминает о спорте и космосе из-за трикотажных костюмов и комбинезонов, не сковывающих движений. Дизайнер показал на подиуме костюмы, платья и свитера с более практичными вещами. Тем не менее, это было сделано так, что он сблизил далекий космос с земными людьми. Другой подход при разработке дизайна будущего использовал Пако Рабанн. Как и Карден, он начал с изучения архитектуры, однако его начало в мире моды было связано с изготовлением ювелирных изделий и аксессуаров, которые в то время использовали и Курреж, и Карден. Рабанн был заинтересован в продвижении моды дальше, он хотел использовать различные материалы для пошива одежды. Рабанн искал альтернативные способы создания одежды, используя такие материалы, как пластик, алюминий, бумага и металл. Он также искал различные способы скрепления одежды — формовку, использование клея и заклепок. Любимым материалом Рабанна был родоид, гибкий и легко формуемый пластик, а также он использовал алюминий, вырезая небольшие детали и соединяя их маленькими металлическими кольцами, что создавало ткань, похожую на цепную броню. Когда бренд Paco Rabanne был основан в 1966 году, стало ясно: дизайнера из баскской деревни волнует тема космоса. По его мнению, Space Age был интерпретирован как эпоха не только продвинутых технологий, но и взглядов. Эмансипированные амазонки бороздили космические просторы. Одежда Paco Rabanne напоминала кольчуги, только собранные не из металла, а из пластиковых пластин. Пако Рабанн создал костюмы для культового фантастического фильма «Барбарелла», выход которого в 1968 году был связан с освоением космоса. Различные материалы и откровенность стали визуальным комментарием как на освоение космоса, так и на сексуальную революцию. Позже образы главной героини фильма вдохновляли не только других известных кутюрье, но и обычных людей. Мы видели их в коллекциях Жан-Поля Готье (осень-зима 2009/2010), Dior (осень-зима 2014/2015) и Jeremy Scott (весна-лето 2016). Каждый из этих дизайнеров воплотил в себе идеалы и импульсы моды космической эры как тенденции. Все они создавали одежду, вдохновляясь футуристическим мировоззрением, пытаясь внедрить инновации и создать вещи, которые бы подходили для современного мира. Используя новые материалы и техники, они стремились создать гардероб для будущего технологических инноваций. Несмотря на то, что каждый из их дизайнов уходит корнями в эстетику 1960-х годов, в них чувствуется вневременность того, что мы привыкли ассоциировать с футуристической одеждой. Дизайнеры того времени и сегодня черпают вдохновение в их работах. Курреж, Карден и Рабанн являются художниками по костюмам, они работали над костюмами многих самых известных звезд того времени, таких как Одри Хепберн и Джейн Фонд. Однако их влияние на других художников по костюмам 1960-х годов очевидно, особенно если рассматривать дизайн научной фантастики. Костюмы из таких фильмов, как «Космическая одиссея 2001 года», «Барбарелла» и телевизионных программ, таких как «Звездный путь», не выглядели бы так, как они выглядят, если бы не влияние моды космической эры. Автор: Арсений Биньевский

«Если ты берешься за камеру, то должен быть и редактором, и дизайнером, и репортером. Даже когда фотографируешь пару стоптанных башмаков — это уже репортаж», — Алексей Бродович. Сегодня нам кажется естественным, что фэшн-фотография — это такой же творческий и разнообразный вид искусства, как любой другой, но так было не всегда. На протяжении всей своей истории модная фотография часто рассматривалась как способ рекламы, слишком пресный и коммерческий, чтобы считаться высоким искусством. За прошедшие годы художники доказали ошибочность такого мышления и продолжают возводить фэшн-фотографию в легитимную форму искусства, которой она считается сегодня. Перед фэшн-фотографами стоит непростая задача запечатлеть суть бренда, издателя или модели, привнеся при этом свой собственный уникальный стиль и видение. Влияние модных фотографов неоспоримо, поскольку они продолжают диктовать, что считать «красивым», «скандальным» и, прежде всего, «модным». Эдвард Стайхен и Condé Nast Корни профессии уходят в портретную живопись викторианского общества. Уже с 1840-х годов дебютантки, актрисы и танцовщицы позировали в нарядах фотографам-портретистам точно так же, как их матери позировали великим художникам-портретистам более раннего времени. Для многих Эдвард Стейхен является отцом-основателем современной фэшн-фотографии. Стейхен взял на себя задачу продвигать моду как изобразительное искусство с помощью фотографии. Для этого он сделал серию фотографий платьев, созданных известным французским модельером Полем Пуаре. Работы фотографа впоследствии были опубликованы в апрельском номере журнала Art et Décoration за 1911 год. Признанные читателями как самые первые модные фотографии, они передавали эстетику, движение и детали одежды как центральные элементы своего подхода. Стиль Эдварда в значительной степени был сосредоточен на модели, в типичном стиле портретной живописи, но он использовал освещение и тщательно спланированные студийные установки, чтобы сосредоточиться на одежде и придать ей роскошный и элегантный вид, характерный для того времени. Еще один решающий фактор в расширении привлекательности современной модной фотографии произошел в 1909 году, когда успешный издатель Condé Nast приобрел американский журнал о стиле жизни Vogue. При этом он создал ведущее в мире издание о моде, которое дало таким фотографам, как Стейхен, Сесил Битон и Хорст П. Хорст, платформу для демонстрации своих работ огромной новой аудитории. В 1913 году он запустил Vanity Fair, и вместе эти два издания десятилетиями боролись с Harper's Bazaar за звание главного журнала мод в Америке. То, что Стейхен и Vogue дали современной фотографии, было чертежами почти всей модной рекламы, которая должна была появиться в последующие годы. Стайхен формировал свой собственный уникальный визуальный словарь на протяжении 20-х и 30-х годов, сочетая классические образы эпохи Возрождения с кубизмом и футуризмом, чтобы создать что-то свежее и захватывающее. Его использование моделей, освещения и экспериментальных студийных методов было совершенно революционным, и в течение многих лет у его современников не было другого выбора, кроме как следовать его пути. Его важность невозможно преувеличить; Стайхен изменил лицо фэшн-фотографии, и его инновации используются по сей день. Возрождение Harper’s Bazaar В течение многих лет Harper's Bazaar не хватало преимуществ, чтобы конкурировать с изданиями Condé Nast. Однако судьба журнала изменилась в 1934 году, когда на должность художественного руководителя был назначен русский фотограф Алексей Бродович. С ним Harper's Bazaar начал новый путь, который навсегда изменил мир фэшн-фотографии. Он внедрил радикальные концепции компоновки, по-новому использовал типографику и применил яркий подход к изображениям. Именно его сочетание элегантности и новаторства изменило состояние Harper's Bazaar, обеспечив его долгосрочное будущее. Однако влияние Бродовича было более резонансным, чем просто страницы журнала. В 1933 году он начал курс в Школе промышленного искусства Пенсильванского музея под названием «Лаборатория дизайна», где преподавал весь спектр современных принципов графического дизайна. На этом курсе присутствовали молодые фотографы, такие как Ирвинг Пенн, Ив Арнольд и Ричард Аведон. Именно эти студенты будут формировать фэшн-фотографию на почти постоянной основе в течение десятилетий, помогая расширить наследие Бродовича в далеком будущем. Ричард Аведон Одним из первых учеников Бродовича в Лаборатории дизайна был Ричард Аведон, который начал карьеру в 1944 году в качестве рекламного фотографа. Аведон быстро нашел поклонника в лице Бродовича, который заметил его талант и отправил его в Париж в 1946 году для освещения последних коллекций ведущих домов моды. Молодые и полные энергии снимки, сделанные Аведоном для Harper's Bazaar, олицетворяют новое направление фэшн-фотографии. Стиль Аведона сводился к одному: движению. Он избегал студий, предпочитая работать на открытом воздухе или на натуре. Снимая оживленные уличные сцены и шумные вечеринки, Ричард фотографировал своих моделей в данный момент, демонстрируя их природную женственность, а развевающаяся одежда каким-то образом казалась элегантным продолжением их собственных тел. Это задало новый курс для модной фотографии, и на протяжении 50-х годов стилю Аведона много подражали. Движение и спонтанность были отличительными чертами этого нового направления. Он вдохновил фотографов, таких как Генри Кларк, использовать улицы города в качестве фона для своих изображений. На открытом воздухе в фотографии можно было вдохнуть новое ощущение жизни, а красота моделей и одежда, которую они носили, напрямую отражались в динамизме общей композиции. Но были и такие, как Ирвинг Пенн, которые продолжали придерживаться традиций студии. На его знаменитой обложке апрельского выпуска Vogue 1950 года модель Джин Пэтчетт была изображена в контрастном черном и белом. Когда тон и ракурс противопоставлены, результат драматичен, но спокоен, и это изображение, в частности, подводит итог его подходу к фэшн-фотографии. Хотя его стиль начал терять популярность в 60-х годах, Пенн изменил лицо фэшн-фотографии неуловимыми, но далеко идущими способами на долгие годы вперед. Возвращение в студию и рост сексуальных споров Съемка движения за пределами студии была методом работы многих фотографов на протяжении 50-х и 60-х годов. Но к началу 70-х началось возрождение студийной работы. Новое движение определялось использованием женской наготы, откровенной сексуальности и сюрреализма. И снова Ричард Аведон был на гребне этой новой волны. Подписав соглашение о переходе из Harper's Bazaar в Vogue в 1966 году, он решил вернуться в студию для большей части своей работы в фэшн-фотографии. Ссылаясь на гламур и свободу предыдущих двух десятилетий, его съемки для Versace в 70-х и 80-х годах были изобретательными и захватывающими. Его фирменное использование движения все еще присутствовало, как и его прославление жизненной силы и уверенной женской сексуальности. Ги Бурден, парижанин, который полагался на сексуальные образы, чтобы рассказать другую историю, несколько контрастировал с Аведоном. В то время как его критики говорят, что Бурден свел женское тело к его самым эротическим частям, часто пропагандируя жестокие и женоненавистнические взгляды, его сторонники утверждают, что он создал собственный уникальный вид сюрреалистического мистицизма. Его рекламные работы в конце 70-х часто изображали женщину слабой и контролируемой — строгий контрапункт работам современников, таких как Хельмут Ньютон и Аведон. Однако его образы, несомненно, очаровательны, а использование ярких цветов, постановочного сюрреализма и секса повлияло на работы современных фэшн-фотографов. Эпоха безудержной коммерциализации 80-е стали началом нового смелого рубежа фэшн-фотографии. Коммерциализм, сила, которая бездействовала большую часть предыдущих 60 лет, внезапно подняла голову. Мода начала приобретать все более широкое распространение по мере того, как растущий средний класс Европы и Америки проявлял больший интерес к своей одежде. У них было больше денег, и сообразительные модные лейблы, такие как Calvin Klein, Levi's и Ralph Lauren, были только рады их принять. В 90-х появилось множество классических рекламных роликов. От сильных женских образов для подражания, которые изображала Донна Каран, до американской мечты, представленной Ральфом Лореном, 90-е годы многие считали золотым веком рекламной кампании. Наряду с сексом лейблы использовали супермоделей, чтобы сфокусировать свои кампании, обнаружив очевидную связь между их естественной красотой и желанной продукцией. Calvin Klein был в авангарде этого нового движения и поднял жару в особенно известной рекламной кампании 1992 года. В скромной черно-белой съемке Брюса Вебера с участием Марка Уолберга в паре с Кейт Мосс дизайнер ухватил суть этого нового направления. Простое изображение их обоих, обнаженных до пояса, в нижнем белье с явно фирменными вещами, было всем, что нужно, чтобы донести сообщение. И это сработало. Calvin Klein увидел огромный рост продаж, превратив их во всемирно признанный бренд. Гиперсексуальность Как человечество убедилось на протяжении десятилетий, секс продается. Но пока Хельмут Ньютон и Ги Бурден широко использовали образы для сексуальной привлекательности, 2000-е открыли новую эру гиперсексуальности, которая была разработана не только для того, чтобы шокировать, но и для продажи одежды. Одним из тех, кто не боялся использовать тело для продвижения своей продукции, был Том Форд. Знаменитая реклама его первого аромата For Men была снята Терри Ричардсоном в 2007 году и объединила склонность Форда к сексуальным образам с резкой и мгновенно узнаваемой эстетикой фотовспышки Ричардсона. Бурден явно оказал огромное влияние на эту работу; тщательно обработанные студийные кадры, использование цвета и слегка зловещее изображение женской сексуальности — все это присутствует. Стратегическое размещение флакона духов мало что оставляет для воображения, и кампания вызвала много споров, а также широкую известность для Форда. Еще один кампейн от Тома Форда был выпущен в 2003 году, когда дизайнер работал в Gucci. Стилизованная и упрощенная, эта реклама, снятая Марио Тестино, привлекла большое внимание, поскольку в ней была изображена женщина-модель с выбритым на лобке логотипом Gucci. Не столько об одежде, сколько о прихорашивании, это был смелый шаг для Форда, но он еще раз подтвердил старую поговорку о том, что плохой рекламы не бывает. Одобрения знаменитостей и празднование богатства Возможно, самый драматический сдвиг в современной фэшн-фотографии — это то, как теперь используются рекламные кампании. В период с 2006-го по 2013 год количество страниц, посвященных рекламе в Vogue, сократилось на 16%. Для многих брендов лукбуки — это новые рекламные кампании: они дешевле в производстве, проще в потреблении и лучше подходят для распространения через цифровые носители. Для некоторых этот шаг демократизирует, устраняя элитарность, в поощрении которой давно обвиняют старую гвардию индустрии моды. Но для многих это мягкое принижение некогда гордой формы искусства, которая благодаря работе таких людей, как Стейхен, Аведон, Ньютон и Пенн, уже давно имеет большое культурное и историческое значение. Автор: Арсений Биньевский

У каждой одежды есть своя определенная цель, но нижнее белье всегда имело двойную ценность. Сегодня нижнее белье — символ женственности и эстетики тела, и модные дома обращают все больше внимания на этот предмет одежды. Нижнее белье: предпосылки появления О нижнем белье в древнем мире мы знаем не так много и можем судить только по немногочисленным источникам. Очень немногие женщины в древнем мире носили то, что мы сегодня назвали бы трусиками. Мужчины часто носили различные набедренные повязки, но и женщины в большинстве культур носили одежду, похожую на комбинезон из мягкого материала, если вообще что-либо носили. В зависимости от климата (и местных определений скромности) нижнее белье служило верхней одеждой для представителей низших классов общества. Первые формы нижнего белья были засвидетельствованы уже в Древнем Египте. Египетские женщины из низшего сословия редко носили нижнее белье из-за жары. Наиболее распространенной одеждой египтянок любого класса была простая льняная туника, которую можно было носить как нижнее белье или как верхнюю одежду. Состоятельные женщины носили утягивающее белье, которое подчеркивало идеальную фигуру с маленькой грудью и большими бедрами. Историки расходятся во мнениях относительно того, регулярно ли греческие женщины носили какое-либо нижнее белье. В минойском обществе, которое процветало на греческом полуострове до прихода греков, примерно в IV веке до н.э. акробаты изображались на фресках и мозаиках в набедренных повязках. На фреске в Кноссе изображены как мужчины, так и женщины акробаты. Однако другие источники говорят нам, что данный вид нижней одежды носили только мужчины. Однако именно в Италии произошло развитие формы нижнего белья, что сделало его «похожим» на то, которое мы носим сейчас. В римском обществе уход за телом, которое должно было быть подтянутым, представлял собой очень важную часть повседневной жизни, и именно в этом контексте женщины начали носить бюстгальтеры; это были тугие повязки, расположенные не выше, а ниже груди. Таким образом, изображения женского тела стали средством демонстрации и дальнейшего подчеркивания превосходства их цивилизации. В средневековой Европе одной из основных функций нижнего белья (также называемого нательным бельем, поскольку оно часто изготавливалось из льна) была защита от холода. Одежда состояла из нескольких слоев, причем самые мягкие ткани располагались ближе к коже. Помимо изоляции, белье защищало тело от более грубой верхней одежды. Средневековые женщины, скорее всего, носили только простую сорочку. Как и ночная рубашка, она имела длинные рукава и была довольно бесформенной. Богатые женщины и королевские особы носили более роскошные варианты, сделанные из тонкой ткани и украшенные искусной вышивкой. Такая накидка сохраняла чистоту верхней одежды, впитывая пот и другие телесные вещества. Большинство женщин могли позволить себе иметь несколько льняных сорочек, которые можно было менять, когда они загрязнялись, и их было относительно легко чистить. Но женские платья, особенно сделанные из тонких или тяжелых тканей, как шелк, кружево, конопля, шерсть и кожа, стирали редко, если вообще стирали. Во всех семьях, кроме самых богатых, стирку проводили один или два раза в год. Женщины или их служанки посыпали грязное белье золой, чтобы предотвратить появление плесени до тех пор, пока одежду не почистят. Однако в эпоху Возрождения появляются первые предметы белья для мужчин и женщин, рубашки и длинные трусы до колен; в дополнение к этому мы наблюдаем рождение подвязок. Первоначально они были аксессуарами, которые мужчины использовали для удержания чулок. Однако когда подвязки стали частью женского приданого, они превратились в орудие обольщения, и вскоре их стали украшать лентами и драгоценностями. С 1500-х до конца 1800-х: корсеты и многое другое В этот период женское нижнее белье представляло собой набор предметов одежды и строгих структур, предназначенных для придания формы и преобразования тела, чтобы оно соответствовало определенным канонам и социальным стандартам. Например, корсет, который по сей день используется в медицинских целях, изначально был рожден с эстетической целью, и на протяжении веков он принимал различные формы и размеры, чтобы соответствовать господствующим модам и стандартам. Следы корсета засвидетельствованы со времен критской цивилизации, но период его максимального использования приходится на 1500 год при Екатерине Медичи. Жизнь супруги короля Франции, вопреки нашим ожиданиям, была непростой: ее видели иностранкой и критиковали за внешний вид. Говорят, она изобрела корсет только для того, чтобы уменьшить свою «пышную» талию. Ее также помнят за заботу о гигиене: именно она ввела во Франции использование духов. Вскоре к корсету присоединился кринолин, фактически структура, созданная для придания типичной округлой формы юбкам того времени. Если в 1700 году корсет стал немного удобнее, то в 1800 году, с модой на тонкую талию-«осу», он стал до крайности стягивающим. К концу XIX века стали проводить медицинские исследования по использованию корсета, который был признан причиной ряда физических заболеваний у женщин, включая смещение органов и даже психические проблемы (считалось, что это может привести к истерике). В этот момент нижнее белье превратилось в приданое, и моделей становилось все больше и больше, вплоть до того, что количество слоев нижних юбок увеличилось с одного до пяти! Кроме того, женщины носили трусы, похожие на мужские модели, и чулки до колена или выше с подвязками. XX век: эпоха «интимных» изменений В 1893 году Мари Тусек запатентовала «Поддержку груди». У этого предмета белья были отдельные карманы для каждой груди, погоны, крючки и петли. 1900-е годы представляют собой эпоху, когда произошли основные и самые внезапные изменения в отношении женского нижнего белья, и одной из самых важных фигур в этом отношении была Мэри Фелпс Джейкобс (позже она изменила имя на Каресс Кросби, хотя друзья и близкие всю жизнь звали её Полли, по домашнему детскому прозвищу, американская активистка, издатель и писатель, а также как изобретатель бюстгальтера. Как и многие другие успешные изобретения, он родился из сочетания необходимости и случая, когда 19-летняя Каресс захотела посетить бал, избегая стягивания корсетом, поэтому она решила объединить два носовых платка и розовую ленту, создав первый бюстгальтер, как мы знаем его сегодня. Вскоре молва распространилась среди других девушек, увидевших, как грациозно и свободно двигается молодая женщина, что иначе было бы невозможно из-за корсета. 3 ноября 1914 года Каресс получил патент. Среди первых дизайнеров, выпустивших бюстгальтер, был Поль Пуаре, которого до сих пор помнят за то, что он создал новый женский образ, свободный, естественный, а иногда и экзотический; ткань его одежды легла на тело легко, мягко. Казалось бы, все мы помним, что из оков корсетов женщин освободила Коко Шанель. Она предложила брюки — новую удобную униформу. Но, справедливости ради, эти модные революции все же случились чуть раньше, чем настал звездный час великой Мадемуазель. И принадлежали они Полю Пуаре — человеку, который единолично определил европейскую моду начала XX века. Пуаре помог избавиться от неудобных и морально устаревших корсетов, впервые создав силуэт, который «опирался» на плечи и свободно струился по фигуре. В то время как корсет начал исчезать, трусики становились все более короткими и удобными. Рожденные для мужского рынка в 1906 году, вскоре они стали выпускаться и для женщин, которые, в свою очередь, участвовали в Великих войнах, нуждались в гораздо более удобной и практичной одежде для передвижения и, прежде всего, для работы: это было началом женской эмансипации. Во время Второй мировой войны бюстгальтеры предлагались даже фабриками, где женщин впервые стали называть рабочими. В 1930-х годах начали создавать первые размеры чашечек от А до Е. Но именно нейлон был изобретен для того, чтобы сделать бюстгальтеры доступными для более широкой аудитории: на самом деле цены стали доступнее именно потому, что бюстгальтеры были сделаны из дешевого и прочного волокна. В 50-е годы изгибы женских тел были усилены как никогда раньше, создавая образ чувственной женщины. В это же время появляется бюстгальтер-пуля. В конце 1960-х многие женщины символически сжигали бюстгальтеры в знак протеста против патриархата, в поддержку равноправия. Это считалось актом освобождения. С появлением телесериалов и женских групп, таких как знаменитые «Ангелы Чарли», бренды и реклама предлагали более повседневные идеалы женщин, чтобы показать их красоту и чувственность. В 80-е нижнее белье щеголяло во всех его проявлениях, но как символ раскрепощения, а не скованности. В 90-х годах появился бюстгальтер Wonderbra, который впервые надела Ева Герцигова и который сегодня известен как «бюстгальтер пуш-ап». Это была настоящая революция, маркетинговая кампания и реклама которой до сих пор считаются одними из самых важных и действенных. С появлением в 1977 году Victoria’s Secret, крупнейшего бренда нижнего белья в США, и его «Ангелов» нижнее белье было полностью пропущено через таможню и стало популярным во всем мире. В конце 90-х и начале 2000-х Calvin Klein прославил свое нижнее белье благодаря многочисленным рекламным кампаниям, в которых модели снимались в трусах и боксерах с названием бренда. С самого начала ему удалось запустить маркетинговое сообщение, которое было сосредоточено не только на самом нижнем белье, но и на философии в целом: изображение красивых, сильных и уверенных в себе мужчин и женщин, всех качеств, типичных для тех, кто покупали и носили одежду Calvin Klein. Что насчет сегодняшнего дня ? В последнее время предпочтение отдается более естественному эффекту, женское нижнее белье определенно более свободное, материалы мягкие, комфортные, своего рода вторая кожа, и существует тенденция выбирать органические или устойчивые волокна. Белье больше не прячется, а находится на виду, присутствует как в коллекциях высокой моды, так и в уличных коллекциях: оно появляется на подиуме от Prada до Versace. Женские тела претерпели несколько изменений по эстетическим канонам каждой эпохи и на сегодняшний день можно констатировать, что мы наконец пришли к такому разнообразию моделей и вариантов, что выбор является всеобъемлющим и индивидуальным, изменяющимся согласно нашим идеалам: чувствовать и смотреть в соответствии с тем, что мы есть, а не тем, чем мы должны быть для других. Автор: Арсений Биньевский

Эта картина повествует об истории учителя английского языка и литературы, который вдохновляет своих учеников менять что-либо в своей жизни и пробуждает в них интерес к поэзии. Семь юношей — Нил Пэрри, Тодд Эндерсон, Нокс Оверстрит, Чарли Далтон, Ричард Камерон, Стивен Микс и Джерард Питтс — являются учениками престижнейшей школы в США, Wellton, в основе которой лежат четыре принципа: «Традиция», «Честь», «Дисциплина» и «Совершенство». Однако сами ученики дают иное определение столпам своей, как они ее называют, школы «Hellton»: «Пародия», «Ужас», «Упадничество» и «Отстой». В первый же день ученики встречают нового учителя литературы, методы преподавания которого коренным образом отличаются от традиционных, применяемых в этой школе уже на протяжении многих десятков лет. Джон Китинг начинает первое занятие с разговора о том, что жизнь мимолетна, поэтому ученики должны следовать принципу «Carpe diem». Многие интерпретируют основной посыл фильма как борьбу свободомыслящих индивидов против консервативной системы, которая приводит к трагическим событиям. Значительная часть людей видит основной посыл таким образом: Китинг вдохновляет своих учеников и делает первый шаг к разрушению устоев и стереотипов. Он постепенно начинает формировать в классе свою культурную среду, которая по-настоящему уникальна. Да, он действительно создает уникальную среду, его методы преподавания приносят свои плоды и увлекают студентов. Китинг меняет систему подачи материала, он пытается донести до студентов не только сухой текст учебника, он побуждает студентов мыслить и рассуждать. В корне неверно делать из Китинга бунтовщика и разрушителя устоев: он не призывает менять систему, он предлагает взглянуть на мир по-новому, познать жизнь через поэзию, что и делало общество мертвых поэтов при Китинге. Фильм рассказывает прежде всего о том, что бывает, когда ученик неверно понимает слова учителя. В фильме мы видим Америку 50-х годов, экономика процветает, люди ориентированы на то, чтобы заработать как можно больше денег. Тем не менее страна не может справиться с таким явлением, как расовая сегрегация, поэтому мы видим массовые восстания и проявления радикального консерватизма. Понимание времени и ситуации, в которые мы погружаемся за просмотром фильма, помогает лучше всего понять истинный смысл произведения. Радикальный консерватизм лежит и в основе школы Wellton. И мы видим, что сопротивление этой системе возникло еще до прихода мистера Китинга, негативные ярлыки заведения появились в тот же момент, когда впервые были озвучены столпы заведения. Бунт возникает сразу в противовес идеологии школы, и это естественное явление. Метод Китинга Чтобы понять философию Китинга, нужно обратиться к фрагменту фильма, где учитель открывает философию «Carpe diem» для учеников. Важно верно трактовать то, что говорит Китинг, что сделали далеко не все ученики. «Пока мы говорим, уходит завистливое время: лови момент, как можно меньше верь будущему» — Гораций. Фраза трактуется как призыв проживать каждый день с удовольствием, не откладывая полноценную жизнь на неопределенное и неизвестное будущее. Carpe diem — фраза о том, что смерть неизбежна, но мы не знаем, когда она наступит, поэтому не следует ее бояться. Таким образом Гораций дает нам понять, что от нас ничего не зависит, но мы можем радоваться каждому моменту. Примерно тот же посыл мы можем найти и в гимне школы — Китинг практически цитирует школьный завет, а не противится ему. С самого первого урока Китинг уже говорит ученикам, что их жизнь сейчас не в их руках и они могут только брать из нее самое лучшее, то, что наполняет ее радостью. Но ни в коем случае не брать все в свои руки. Когда Китинг обращает внимание учеников на фотографии прошлых выпусков, он говорит, что каждый из этих учеников считал, что его жизнь в его руках, но на деле все оказалось не так. Уже здесь мы можем сказать, что Китинг не восстает против системы и не подталкивает к этому Нила и других студентов — наоборот, он против бунта, считает это глупостью. И все другие занятия наполнены данным смыслом. Когда Китинг просит вырвать страницу введения из учебника, он пытается определить бунтарский дух. Ученики идут на поводу учителя так же, как они бы покорно послушали и другого преподавателя. Китинг показывает, что бунтарство — тоже акт подчинения, а не свобода. Ученики этого не понимают, потому что Китинг мастерски стал для них своим, повесив негативный ярлык на автора статьи. Китинг очень последователен в своих уроках. Далее он поступает так же: обозначает установку, восстает против нее и склоняет учеников. Но ситуация меняется: один из учеников отказывается совершать бездумное действие, маршировать по кругу. Китинг добился того, чего хотел. Он продемонстрировал, что бездействие — более осмысленное действие, чем бунт. Таким образом, когда этот же ученик, мистер Далтон, устраивает бунт с целью принятия в заведение девушек, мистер Китинг отнесся к его поступку негативно. Приближение отчисления равносильно смерти, если рассматривать школу как своеобразную форму жизни, поэтому риск отчисления не соответствует принципу carpe diem. При чем тут поэзия? Поэзия — форма рефлексии. Основная цель поэзии — познать себя, осознать свои ошибки. Поэзия приравнивается к моменту взросления. Именно поэтому Китинг считал введение учебника вредным, потому автор предлагал анализировать произведения с точки зрения «что хотел сказать автор?», а не что может вынести для себя читатель. Учение Китинга Сложно провести параллель между традиционной формой преподавания и методами Китинга. Философию Джона действительно можно назвать учением, ведь он старается дать своим ученикам не сухую базу знаний, он становится их наставником по жизни. Китинг уходит от оценивания, потому суть его уроков в том, чтобы донести важную мысль до каждого ученика. Результат работы Китинга можно оценить по-разному. В фильме нет главного героя, потому что класс выступает единым живым организмом. Справился ли Китинг? Сказать очень непросто. С одной стороны, некоторые ученики поняли то, что хотел донести учитель, поэтому можно считать, что задача Китинга выполнена. С другой стороны, двое учеников учение Китинга не приняли. Далтон был исключен, то есть потерпел поражение, Нил и вовсе покончил с собой. Не думаю, что стоит обвинять Китинга в смерти мальчика. Ведь учитель просил просто поговорить с отцом, высказать свою точку зрения, но Нил обманул и учителя, и родителей, чем сделал себе только хуже. Нил побоялся поговорить с отцом, солгал мистеру Китингу, потому что понимал, что не получит одобрения учителя. Неизвестно, как сложилась бы судьба мальчиков, если бы в их жизни не появился мистер Китинг. Возможно, Чарли и Нила ждала бы та же судьба и без участия молодого учителя, так как они поступали не по его заветам, а исходя из своих желаний, страха и глупости. Еще одно качество, которому учил Китинг — это ответственность, и Джон не побоялся и взял на себя бремя школьной трагедии. Он донес до учеников то, что хотел, и теперь должен уйти. Китинг это понял, когда с улыбкой посмотрел на учеников в последние минуты нахождения в «Хеллтоне». Мы можем предположить, что Китинг и так понимал, что он задержится ненадолго. Методы преподавателя уж больно возмущали его коллег и администрацию, и если бы не трагедия, наверняка нашли бы другой способ избавиться от учителя-вольнодумца. Китинг четко понимал, в чем его миссия, что он должен дать ученикам. И пускай урок усвоили не все, цель Китинга была достигнута. Автор: Арсений Биньевский

«Своя комната» — самое известное научно-популярное произведение Вирджинии Вулф. Хотя она и напишет множество других эссе, именно это, 1929 года, первоначально прочитанное в виде нескольких лекций в Кембриджском университете, остается самым известным высказыванием Вулф об отношениях женщин и творчества. «Своя комната» — «феминистский манифест» или произведение литературной критики? В некотором смысле это и то, и другое. Своя комната: краткое содержание Эссе Вулф разделено на шесть глав. Она начинает с того, что объясняет название эссе: «Женщина должна иметь деньги и собственную комнату, если она собирается писать художественную литературу». Далее она уточняет, что наследство в пятьсот фунтов в год, которое дало бы женщине финансовую независимость, важнее, чем получение женщинами права голоса (женщины получили полностью равное избирательное право с мужчинами только в 1928 году, в том же году, когда Вулф читала свои лекции). Рассказчица начинает повествование со своего дня в колледже вымышленного университета Оксбридж (сочетание Оксфорда и Кембриджа). Пытаясь написать лекцию, она улавливает какую-то важную мысль и бросается через одну из лужаек колледжа, но ее останавливает охранник, который говорит ей, что эта лужайка предназначена только для стипендиатов и ученых. Таким же образом ее не пускают в несколько других мест, прежде чем она попадает на званый обед, где ее вдохновляет яркая беседа мужчин и женщин. Позже она обедает в вымышленном женском колледже Фернхэм. Здесь еда совсем другая, блюда простые, а разговоры сплетнические и неинтересные. Размышляя о своем дне, рассказчица понимает, что женщинам закрыт доступ к образованию, финансовому и интеллектуальному наследию, к которому всегда имели доступ мужчины. Далее Вулф обращает внимание на то, что мужчины говорят о женщинах в своих произведениях, и у нее создается четкое впечатление, что мужчины - заинтересованные в сохранении превосходства в литературе и образовании - изображают женщин определенным образом, чтобы они оставались, по сути, гражданами второго сорта. Следующим шагом Вулф является рассмотрение того, что написали сами женщины. Именно в этот момент в «Своей комнате» Вулф придумывает сестру Шекспира, которую Вулф (возможно, вспоминая имя дочери Шекспира) называет Джудит Шекспир. Вулф предлагает нам представить, что эта воображаемая сестра Уильяма Шекспира родилась тем же гением, с тем же потенциалом стать великим писателем, что и ее брат. Но она закрыта от возможностей, которыми пользуется ее брат: образование в гимназии, шанс стать актером в Лондоне, возможность зарабатывать на жизнь в елизаветинском театре. Вместо этого перед Джудит Шекспир закрываются двери этих учреждений только потому, что она родилась женщиной. Этим утверждением Вулф отвечает тем, кто заявляет, что женщина-писатель, столь же великая, как Шекспир, никогда не рождалась; это утверждение упускает тот важный факт, что великими писателями становятся, а также рождаются, и лишь немногие женщины во времена Шекспира пользовались теми возможностями, которые были у мужчин, подобных Шекспиру. Затем Вулф возвращается к обзору того, что существует в женской литературе, рассматривая таких авторов, как Джейн Остин и Эмили Бронте (обеими она восхищается), а также Афру Бен, первую профессиональную писательницу в Англии, которую, по мнению Вулф, должны восхвалять все женщины за то, что она показала, что профессиональная писательница может стать реальной фигурой. Афра Бен, писавшая в XVII веке, стала важным прорывом для всех женщин, потому что именно она завоевала для них право высказывать свои мысли. Ранее женщины-писательницы были слишком скованы своей неуверенностью — как женщины, пишущие в литературном мире, где доминировали мужчины, — и это привело к «изъяну» в их работе. Но романистки XIX века, такие как Остин и Джордж Элиот, были 'обучены' социальным наблюдениям, и это позволило им писать романы о мире, который был им знаком. Джейн Остин прятала свои рукописи или закрывала их листом промокательной бумаги. Но, опять же, вся литературная подготовка, которую проходила женщина в начале XIX века, была подготовкой в наблюдении за характером, в анализе эмоций. Ее чувствительность веками воспитывалась под влиянием общей гостиной. Чувства людей производили на нее впечатление; личные отношения всегда были у нее перед глазами. Поэтому, когда женщина среднего класса начала писать, она, естественно, писала романы. Но даже это привело к ограничениям: гений Эмили Бронте больше подходил для поэтических пьес, чем для романов, а Джордж Элиот в полной мере использовала бы свои таланты как биограф и историк, а не как романистка. Так что даже здесь женщинам приходилось приспосабливать свои таланты к социально приемлемой форме, а в то время это означало писать романы. Вулф противопоставляет этих женщин-романистов XIX века и женщин-романистов современности (т.е. 1920-х годов). Она обсуждает недавний роман «Приключение жизни» Мэри Кармайкл (и роман, и писательница — вымышленные, придуманные Вулф для аргументации). В этом романе она находит некоторые революционные детали, включая изображение дружбы между женщинами, когда раньше в романах женщины рассматривались только по отношению к мужчинам (например, как жены, дочери, подруги или матери). Изложив эту историю, Вулф избавляется от своей персоны и обдумывает, как ей завершить лекцию вдохновляющим призывом к действию. Она призывает женщин колледжей Ньюнхэм и Гиртон, свою аудиторию — создать наследие для своих дочерей. Она считает, что художественная литература служит общему благу, а не только личному, что в ней есть что-то универсальное, мощное и хорошее, и поэтому она призывает их писать с жадностью. Она вызывает в воображении образ Джудит Шекспир, лежащей мертвой, погребенной под улицами бедного района Лондона, но говорит, что для этого трагического персонажа еще не все потеряно. Поскольку поэты никогда не умирают, но переосмысливаются и получают жизнь от других, у женщин в ее аудитории есть возможность оживить Джудит и создать историю, которой у Джудит никогда не было. Своя комната: анализ эссе Эссе Вулф, хотя и является не художественным произведением, демонстрирует то же творческое начало, которое мы находим в ее художественной литературе: она принимает образ Мэри Бетон, начинает свое эссе в середине потока со слова «Но», а также реализует двусторонний или «андрогинный» подход к написанию, к которому, по ее заключению, должны стремиться все авторы. A Room of One's Own — это и рациональный манифест, и блуждающий рассказ; и радикально провокационный, и, в некоторых отношениях, тихо консервативный. На протяжении всего романа Вулф уделяет особое внимание не только социальным ограничениям жизни женщин, но и материальным. Джудит Шекспир, воображаемая сестра Уильяма Шекспира, никогда бы не стала великой писательницей, потому что финансовое положение женщин было направлено не на образование, чтобы они могли стать кормильцами своих семей, а на подготовку их к замужеству и материнству. Их жизнь строилась вокруг брака как самого важного экономического и материального события в их жизни, поскольку именно став женой мужчины, женщина получала финансовую безопасность. Такая женщина, по крайней мере, до конца XIX века, когда в английском законодательстве появился Закон о собственности замужних женщин, обычно не имела ни «собственной комнаты» (потому что комнаты, в которых она проводила свое время, такие как кухня, спальня и детская, были предназначены для домашних дел), ни денег (потому что богатство и имущество жены формально принадлежало ее мужу). Из-за этого сильного внимания к материальным ограничениям женщин, которые, в свою очередь, не позволяют им получить опыт, образование или средства, необходимые для того, чтобы стать великими писателями, «A Room of One's Own» часто называют «феминистским» произведением. Этот ярлык в значительной степени точен, хотя следует отметить, что мнение Вулф о женском писательстве несколько расходится с мнением многих других феминистских писателей и критиков. В частности, предложение Вулф о том, что писатели должны стремиться быть «андрогинными», вызвало критику со стороны более поздних феминистских критиков, поскольку они отрицали идею о том, что «женское письмо» и «женский опыт» отличаются и отделены от мужского. Учитывая, что большая часть художественной литературы Вулф написана подобным образом и поэтому может быть названа женской литературой, возникает вопрос, насколько ее аргументы в «Своей комнате» подтверждаются ее собственной художественной литературой. Возможно, ответ кроется в романе, который Вулф опубликовала незадолго до того, как начала писать «Свою комнату»: ее роман 1928 года «Орландо», в котором героиня меняет пол на протяжении всего романа, путешествуя через три века истории. Автор: Арсений Биньевский

Когда мы слышим слово «денди», воображение рисует нам красивого мужчину в элегантном костюме и начищенной до блеска обуви, обладателя безупречных манер и особых жестов. Однако дендизм — это не только мода и расточительство, но и настоящая философия. В конце XVIII — начале XIX века в Великобритании получило распространение новое модное направление. Оно основывалось на чрезвычайно отточенном внешнем виде человека и самолюбовании. Образцом дендизма того периода был Бо Браммелл, популярность и авторитет которого среди британских джентльменов были невероятны. Если говорить об основных чертах дендистской моды, то это ухоженный вид, идеально сидящая одежда, тонкие дорогие ткани, золотая вышивка, изысканные аксессуары, блестящие ботинки и т.д. Мужчины хотели выглядеть абсолютно безупречно и экстравагантно и тратили целые состояния на свою одежду и, особенно, аксессуары. И очень часто они теряли все свои богатства и становились банкротами, потому что тратили слишком много на одежду и модные вещи. Что представляла из себя мода? Набирающая популярность английская мода изменила мужскую одежду еще до Великой французской революции. Сдержанные костюмы для верховой езды, которые английские джентльмены носили в своих загородных поместьях, все чаще становились предпочтительным стилем в Великобритании и на континенте. Однако в новую эпоху, вызванную революцией, английский стиль обрел свое полное выражение. Модная мужская одежда теперь состояла из шерсти темных цветов; исчезли цветочные шелковые вышивки и вычурные кружевные аксессуары восемнадцатого века. Это изменение еще больше отдалило мужскую одежду от женской. Цвет и украшения стали почти исключительной прерогативой женской моды. Идеология «разделения сфер» начала утверждаться в 1800-х годах, когда мужчины все больше занимались серьезным бизнесом вне дома по мере продолжения промышленной революции, а женщины были превращены в домохозяек. Эта тенденция вскоре закрепилась и определила весь оставшийся XIX век. Действительно, хотя и женская, и мужская одежда радикально менялись, изменения в мужской одежде были гораздо более продолжительными, и их влияние ощущается даже сегодня. На протяжении большей части XVIII века в одежде мужчин и женщин царила гармония; их объединяла любовь к цвету, элегантному дизайну и роскошным материалам. Одним из результатов Французской революции стало разделение полов в плане их одежды. Мужская одежда становится простой по дизайну и трезвой по цвету; она не украшена декором. Оно символизирует серьезность и безразличие к роскоши — неотъемлемые элементы республиканской строгости; его фактическое единообразие подчеркивает революционный идеал равенства. Действительно, этот сдвиг также способствовал отделению придворного костюма от общей одежды. Посещение королевских приемов при всех европейских дворах оставалось событием, где требовался показной костюм, гораздо более похожий на платье XVIII века. Начиная с предыдущего десятилетия, мужчины отказались от практики напудривания волос и коротко подстригали их, создавая естественный, причесанный вид. Эти новые прически называли «а-ля Тит» или «Брут», подчеркивая их античное происхождение. Наполеоновские войны также повлияли на мужскую одежду, поскольку мужчины в форме преобладали в повседневной жизни. Униформа времен наполеоновских войн была одной из самых роскошных и продуманных в истории. Роскошь в мужской одежде теперь выражалась в идеальной подгонке каждого элемента гардероба мужчины, и исключительные британские портные стали лидерами в этом направлении. Тремя основными элементами были пальто, жилет и бриджи или панталоны. Редко все три элемента были одного цвета. Существовало два основных типа пальто, оба варианта фрака: парадное пальто и пальто для верховой езды. Парадный фрак обрезали в талии, в форме перевернутой буквы U. Пальто для верховой езды, менее формальный выбор, плавно переходило от талии назад к панталонам или бриджам. Любой из этих фасонов изготавливался из тонкой, валяной шерсти темных цветов, таких как синий, черный, коричневый, красный и зеленый. Валяное качество материала позволяло кроить его с необработанными краями, а высокий воротник опускался вниз к лацканам с вырезом в форме буквы «М» или «V». Жилеты были однобортными и разрезались прямо по талии, выглядывая из-под закрытого пальто. Они имели воротники-стойки и могли быть изготовлены из различных материалов, однотонных или с рисунком; действительно, большая часть цвета в мужской одежде оставалась на жилете. Также нередко носили два жилета одновременно. Носили как бриджи, так и панталоны. И те, и другие были уместны в дневное время, но для вечерней одежды правильными считались кремовые бриджи в паре с черным или синим фраком, белым жилетом и чулками. Как упоминалось выше, бриджи или панталоны с высокими сапогами были излюбленной модой эпохи и придавали гражданской одежде военную привлекательность. Наконец, в 1800-х годах брюки получили некоторое признание в качестве неформального варианта одежды. Хотя брюки все еще оставались узкими, они имели более свободный крой, чем панталоны, в области икры и лодыжки, и присутствовали в гардеробе как одежда для мальчиков и моряков. Их начали постепенно принимать в качестве неформальной одежды, особенно на морском побережье. Несколько предметов дополняли мужской образ. Рубашки были из белого хлопка или льна с очень высокими воротниками-стойками, которые обхватывали челюсть. Переднюю часть рубашки украшали оборки; после 1806 года некоторые рубашки для дневной одежды вместо этого имели плиссированные передние части. Шейный платок был важнейшим элементом мужского гардероба. Основной формой был крават — большой квадрат из тонкого муслина или шелка, сложенный уголками и аккуратно завязанный в различных вариантах. Правильное завязывание галстука было главной заботой хорошо одетых мужчин, и для ознакомления с правильным методом можно было прочесть несколько руководств. Шляпа теперь была доминирующей формой головного убора. Она изготавливалась в различных формах, обычно из фетра; хотя шелковая шляпа начала появляться примерно в 1803 году, она была усовершенствована только в 1830-х годах. По-прежнему можно было увидеть бикорн — шляпу XVIII века с загнутым вверх ободком, образующим две точки. Она была особенно модной в вечернее время, ее носили под мышкой. Икона стиля Джордж Браммелл Джордж Брайан «Бо» Браммелл, которого называют самым известным и влиятельным человеком в Лондоне начала XIX века, был воплощением революции. Он вызвал перемены не риторикой или военной мощью, а инновациями в мужском стиле одежды и манере поведения. Мужчины копировали его одежду, его манеры и даже его ежедневный уход за собой. Браммелл родился в Лондоне в 1778 году и вырос в революционную эпоху в Европе и Северной Америке. Французская и Американская революции (1789-1799; 1775-1783) ознаменовали упадок аристократии и подъем личности. Мужская одежда стала отражать эти политические и экономические изменения. Мужской стиль XVIII века, находящийся под сильным влиянием французской королевской семьи, был сложным и ярким: радуга оттенков в волнистых шелковых, атласных и бархатных тканях; кружевные галстуки и манжеты; бриджи до колен с чулками; высокие напудренные белые парики и макияж. Рост нового британского стиля, который включал в себя простоту, структуру и сдержанность с монохромными и военными тканями, отказался от такой дореволюционной моды. Психолог Джон Карл Флюгель позже назвал этот постепенный процесс упрощения мужской одежды «великим мужским отречением», благодаря которому мужская мода стала вдохновляться социальным равенством. Он отвернулся от экстравагантности, и чрезмерная ухоженность стала считаться женской чертой. Браммелл, проницательный наблюдатель за обществом, осознал социальную мобильность, которую обещала современная эпоха, когда стиль и личность, а не происхождение и богатство, могли предвещать статус и силу. В 1790 году он начал учебу в Итонском колледже, где преждевременно реформировал характерный галстук Итона, а затем провел один семестр в Оксфордском университете. В 1794 году Браммелл переехал в Лондон и присоединился к элитному Десятому Королевскому гусарскому полку, которым командовал принц Уэльский, позже ставший королем Георгом IV. Принц и его приближенные восхищались и были очарованы эстетикой, остроумием и обаянием Браммелла. Воодушевленный этим покровительством, Браммелл стал для них образцом для подражания, арбитром элегантности в лондонском обществе в первое десятилетие XIX века. Модная мантра Браммелла призывала «максимум роскоши на службе минимальной показухи». Все постулаты проповедовали минимализм — самое главное в дендизме. Минимализм был универсальным для всех сторон жизни денди, распространяясь на манеру поведения, внешний вид и стиль речи. Таким образом, денди были сдержанны в высказываниях и сдержанно одеты. Они совершали короткие визиты в салон высшего света. Браммелл также выступал за инновации в области личной гигиены. Как одежда должна выглядеть отполированной и аккуратно скроенной, так и человек должен выглядеть соответственно. Он заменил зависимость от духов и пудры для волос концепцией ежедневного принятия ванны. Для его современников купание часто означало омовение прохладной водой только лица, кистей и предплечий; считалось, что потоотделение избавляет организм от токсинов. Предложение Браммелла о ежедневном купании в горячей воде было не чем иным, как революцией. Его методы ухода за собой, некоторые эксцентричные, стали широко известны. Он начищал сапоги шампанским. Его ритуал купания и одевания, на котором иногда присутствовал принц Уэльский, занимал несколько часов каждое утро. Он использовал серебряную плевательницу вместо того, чтобы плевать на пол, как это было принято. Он часами пробовал разные способы завязывания галстука. Это стремление к беззаботности распространилось и на тщательно сконструированную личность Браммелла. Будучи первой по-настоящему современной знаменитостью, Браммелл понимал, что его «внешний вид» включает в себя не только стиль, но и манеру поведения. Его внешний вид, от одежды, которую он носил, до позы, которую он предлагал, был образом, который он тщательно создал. Остроумие Браммелла соответствовало его гардеробу, но его превосходная осанка, его вид томного безразличия были маскарадом, персонажем, которого он играл. Его имя и образ побудили к созданию преувеличенных описаний его поведения. Печальный конец Браммелла К 30 годам те же пронзительный юмор и хладнокровная дерзость, которые ознаменовали его восхождение по социальной лестнице, также ознаменовали его падение. Браммелл действительно публично оскорбил принца-регента, спросив у компаньона принца: «Кто твой толстый друг?» Было ли это на самом деле преступлением, положившим конец их отношениям в 1812 году, до сих пор теряется в исторических слухах. Потеря им королевского покровителя не сразу повлияла на положение Браммелла в обществе, но его экстравагантный образ жизни и азартные игры истощили небольшое состояние, унаследованное от отца. Чтобы спастись от кредиторов, в 1816 году Браммелл бежал во Францию. Он был назначен британским консулом в 1830 году, но продержался на этом посту всего два года. Не имея дипломатической неприкосновенности, он был заключен в тюрьму за растущие долги. Благотворительные друзья из Англии добились его освобождения, но последние дни Браммелл провел в состоянии тяжелой депрессии и самообмана. В 1840 году, в возрасте 61 года, Браммелл умер в приюте в Кане и был похоронен в гробу, оплаченном на благотворительность, что стало позорным концом для человека, когда-то славящегося своим стилем. Автор: Арсений Биньевский

Для многих основа итальянской жизни — это семья, и никто в мире моды не делает семью лучше, чем Версаче. До того, как Донателла взяла в свои руки творческий контроль в конце 1990-х годов, международная привлекательность Versace была во многом обусловлена магическим умом ее брата Джанни Версаче. Родившись в 1946 году, Джанни провел свое детство, играя с братьями и сестрами в старых римских руинах, и был очарован грандиозной архитектурой, мозаичной плиткой и эмблемами из классической мифологии, такими как змеиная голова Медузы. Мать Версаче, Франческа, работала портнихой, и Джанни в юном возрасте проявил способности к иголке и нитке, но вместо этого продолжил изучать архитектуру. Но мода была слишком сильна в его крови, и в конце концов он вернулся к работе рядом с матерью в ее небольшом бутике. Джанни быстро продвигался по карьерной лестнице, не ограничиваясь повторением бисерной вышивки, и получил свободу для поиска собственных дизайнерских решений. К 1972 году Джанни оставил семейный бизнес и переехал в Милан, чтобы следовать своим творческим мечтам. Его имя вскоре стало известно в модных кругах после того, как он создал индивидуальные коллекции для известных домов моды Callaghan, Genny и Complice. В это время Джанни разработал свой фирменный стиль, используя редкие сочетания и повышая статус кожи от аксессуара до женской одежды. В 1978 году Джанни запустил свой одноименный бренд и первую коллекцию, пригласив старшего брата, Санто, для совместного управления бизнесом, а младшую сестру, Донателлу, в качестве консультанта по дизайну и своей музы. Семейный бизнес был символически связан с головой Медузы, которую Джанни выбрал как ностальгический символ своего детства. Он также надеялся, что его дизайн будет иметь такой же притягательный эффект, как и печально известное завораживающее лицо Медузы, от которого покупатели не смогут отвести взгляд. Это была амбициозная мечта, но она сбылась для Джанни. Versace процветал на протяжении 1980-х годов, а в 1994 году произошел настоящий взрыв благодаря платью Элизабет Херли. Актриса надела черное платье в стиле нео-панк, скрепленное огромными золотыми булавками, на премьеру фильма «Четыре свадьбы и одни похороны». Даже сегодня оно признано одним из самых известных образов Версаче. Откровенный характер платья Лиз Херли стал отличным примером того, как Версаче воспевает смелых, вызывающих женщин. Женщина Versace одевается для себя; она излучает уверенность и независимость, и у нее соответствующий гардероб. Джанни объединил свой бренд с супермоделями 1990-х годов, включая Синди Кроуфорд, Линду Евангелисту, Кристи Терлингтон и Наоми Кэмпбелл. Однажды Джанни заставил этих моделей выйти на подиум под гимн Джорджа Майкла «Freedom». Versace установил прочные отношения со многими звездами и супермоделями, включая Элтона Джона, Мадонну и Наоми Кэмпбелл. Как сказала Анна Винтур The New York Times, Versace «был первым, кто осознал ценность знаменитостей в первом ряду и ценность супермоделей, и вывел моду на международную медиа-платформу». Он также был одним из выдающихся дизайнеров, продемонстрировавших способность объединять миры моды и музыки. Работы Versace выставлялись в нескольких музеях, в том числе в Национальном полевом музее Чикаго, лондонском Королевском колледже искусств, японском городском музее Кобе и немецком Kunstgewerbemuseum. Помимо одежды, дизайнер расширил свой бренд и в других направлениях. Он запустил свою классическую линию ароматов Signature в 1991 году и свою линию мебели и товаров для дома в 1993 году. Версаче также опубликовал множество книг, в том числе «Рок и королевская семья», «Искусство быть собой» и «Мужчины без галстуков». Джанни достиг своего творческого расцвета, и Версаче был настоящим первопроходцем в современной роскошной моде, когда все это безвременно оборвалось. Версаче было всего 50 лет, когда он был убит возле своего дома на Саут-Бич в Майами, штат Флорида, 15 июля 1997 года. Любимый модельер был застрелен 27-летним убийцей Эндрю Кунаненом, который был найден мертвым в Эллинге в Майами-Бич восемь дней спустя. Семья не хотела допустить, чтобы наследие Джанни пошатнулось, и его многолетняя протеже, Донателла, вышла на авансцену. Донателла была известна своими длинными платиновыми локонами, темными глазами и бескомпромиссным стилем одежды — вся сущность Версаче, воплощенная в одной женщине. Донателла не держала руку на пульсе, она была пульсом. Работая художественным директором Versace, Донателла укрепила экспериментальный стиль своего покойного брата и привнесла в бренд новую современность и жизненную силу. Стиль Версаче продолжает охватывать поджанр моды, получивший название «нео-кутюр», инновационно смешивая старое с новым. Марка создала сетку из алюминия и использовала лазерную технологию для скрепления кожи и резины. От поливинилхлоридных платьев для кукол до серебряных платьев, вдохновленных бандажом, — от смелых дизайнерских решений Versace действительно невозможно отвести взгляд. Versace без Джанни Донателла Версаче — женщина, которая встала у руля семейного бизнеса, превратив его в империю. Хотя ее карьерный переход к должности художественного директора был неожиданным, он вовсе не был неестественным: Джанни Версаче часто спрашивал ее мнение при создании своих моделей, и ее одобрение было для него крайне важно. Г-жа Версаче также оказала сильное влияние на эволюцию имиджа бренда, поскольку она отвечала за многие аспекты мира Versace, включая фотосессии. Супермодели не существовали бы в прежнем виде, потому что именно она нанимала их для проходок по подиуму. Преодоление этой трагедии и упорная работа стали одними из главных заслуг Донателлы Версаче, которая вывела и без того взлетевший семейный бизнес на вершину. В 2018 году компания была приобретена Michael Kors Holdings — ныне ребрендированной Capri Holdings — за 2,1 миллиарда долларов. Она также сосредоточилась на внедрении поп-культуры в свой дизайн, в частности, создавая сильную связь с музыкой. В 2000 году Дженнифер Лопес надела зеленое шифоновое платье Versace на 42-ю церемонию вручения премии «Грэмми». Платье сразу же назвали «платьем джунглей»: дизайн, который г-жа Версаче достала из архива, стал главным украшением вечера. После дебюта на подиуме Versace для сезона весна/лето 2000 в Милане осенью 1999 года, где его надела американская супермодель Эмбер Валлетта, платье с тропическим принтом уже появилось на красной дорожке в исполнении Джинджер Спайс и самой г-жи Версаче на Met Gala 6 декабря 1999 года. Г-жа Версаче и Джей Ло снова сотрудничали для коллекции женской одежды весна 2020, когда звезда планетарного масштаба закрыла показ в этом платье: сюрприз понравился гостям и был встречен бурными аплодисментами. Сегодня Донателла Версаче продолжает создавать для бренда одну культовую вещь за другой и сотрудничает со знаменитостями. Такие артисты, как Дуа Липа и Малума, в настоящее время очень близки к бренду и снимаются в некоторых из его самых популярных глобальных кампаний. История Versace была богата событиями: от истоков, связанных с маленьким родным городком Джанни и Донателлы на юге Италии, до роста славы Джанни в Милане, трагического события в Майами и момента, когда бренд вновь обрел свое место под руководством Донателлы. Сходство между Джанни и Донателлой Версаче не имеет границ и выходит за рамки кровных уз. Даже после смерти Джанни Версаче модный дом продолжил естественную эволюцию, как будто творческий человек никогда не покидал его. Донателла Версаче муза стала Донателлой Версаче автором. Автор: Арсений Биньевский

Феномен моды начал полностью проявляться в Европе с XIV века, когда закрепилось четкое различие между мужской и женской одеждой и когда высшие классы начали часто менять свой стиль одежды. Во время абсолютной монархии Людовика XIV (1643-1715) Франция стала великой державой, а блеск и экстравагантность его двора в Версале были известны многим. С 1660-х годов в большей части Европы преобладает французская мода в манерах, одежде, мебели и украшениях, как и во вкусах и живописи. Во Франции для распространения французского стиля Париж отправил кукол, одетых в последние модные наряды, в Лондон и другие европейские столицы. Король Карл II, мать которого была француженкой и который был сыном французского короля, находился в изгнании во Франции и предпочитал французский стиль. Развлечения его двора были в моде у английской знати, которая была увлечена французскими модными идеями. По причине запрета на ношение иностранных предметов роскоши французы должны были проявить изобретательность и придумать много новых видов отделки одежды и экстравагантных форм. Министру финансов Ф. Кольберу удалось организовать в Алансоне центр по производству кружевных изделий. Первый образец алансонского кружева был одобрен королем, и он окончательно запретил в стране ношение кружев привозных. Через некоторое время французские мастера стали поставлять кружевные изделия в другие страны. В XVIII веке, с так называемой «революцией потребления», социальный спектр, на который повлияла мода, расширился, а с промышленной революцией мода превратилась в индустрию. По мнению специалистов, технический переворот произошел именно в текстильной промышленности, когда были изобретены прядильная машина, механические и автоматических ткацких станки. Это позволило значительно повысить производительность труда, снизить стоимость пряжей и тканей. Начиная с 1840-х годов, в качестве красителей стали использовать синтетические. Это позволило значительно снизить цены на ткань и отделку, модные товары перестали быть роскошью для элиты и стали доступны массовому потребителю. В XIX в. активно развивались производство готовой одежды и удобные условия для развития массового производства. Однако современная мода в том виде, в каком мы ее понимаем сегодня, с ее ритмичной сменой новых стилей и высоким эстетическим и экономическим значением сформировалась лишь во второй половине XIX века, когда Чарльз Фредерик Ворт создал дом высокой моды в Париже. Дом имел основные черты, которые будут характеризовать эту систему производства моды на целое столетие. Именно Ворт стал первым человеком в истории, который осознал, что является звездой. Ему не нужно было писать картины, он стал подписывать свои модели. В течение года он выпускал новые коллекции, что сделало моду изменчивой и увеличили покупательский спрос. Из этого основного нововведения модельеры и по сей день получают выгоду. А разработанная им линия моды была далеко не столь новаторской по сравнению с идеями дизайнеров в области маркетинга и рекламы. Чарльз Ворт изменил слишком объемный кринолин, придав ему более соразмерную форму, сделав платье плоским спереди и стянув ткань в складочки. Так появился турнюр, который вскоре стал более объемным и вызывал язвительные насмешки. Как считается, Ворт изобрел профессию манекенщицы: его жена Мари была первой в истории «топ-моделью», и она появлялась в новом образе до того, как титулованные особы заказали новые модели. Ворт нанимал девушек-манекенщиц, которых он называл «дублерами», потому что их фигуры были идентичны фигурам его знатных клиентов. У этих клиентов нет возможности часто приезжать в Париж и часами стоять на примерках (королева Великобритании Виктория одевалась у Ворта инкогнито). Другие портные изготавливали для клиентов индивидуальные модели. При создании новых моделей Ворт принимал участие в примерках, они же демонстрировали клиентам платья на «дублерах». Именно он первым стал создавать сезонные коллекции, придав моде определенный ритм и заложив основы системы управления модой. Постоянная смена стилей и силуэтов стала мощным фактором расширения сбыта и соответствовала потребностям рыночной экономики. Кутюрье считался художником, модельером, который постоянно обновлял и подписывал свои творения. Коллекции одежды периодически обновлялись и демонстрировались на публике в виде парадов манекенов. Одежда изготавливалась на заказ из высококачественных материалов и поэтому стоила очень дорого, и ее могла позволить себе лишь небольшая часть общества. Однако некоторые дизайны также продавались для воспроизведения с использованием менее дорогих материалов и по более доступным ценам, и поэтому мода вышла на более широкий рынок. Кроме того, тенденции, запущенные высокой модой и дизайнерами, все же повлияли на сектор промышленной одежды. Промышленность пережила интенсивный рост и приобрела большое значение во французской экономике в период между двумя мировыми войнами, но она по-прежнему состояла в основном из малых и средних фирм, основанных на ручном производстве. Производство было сконцентрировано в Париже из-за связи с модой и связанного с этим престижа, который приобрел город, а также из-за внешней экономии, созданной там первоначальным местом производства модной одежды. Однако эти сильные местные корни не помешали моде, созданной в Париже, получить международное влияние. Проекты были распространены по всему миру, и промышленность стала важной составляющей французского экспорта. Чтобы отстоять интересы нового сектора, в 1868 г. было создано объединение Chambre Syndicale de la Confection et de la Mode, которое позже, в 1910 году, стало называться Chambre Syndicale de la Couture. Эта организация установила жесткий регламент высокой моды в промышленности с целью защиты ее престижа. В статье историка Вероник Пуйяр исследуется деятельность этого учреждения в межвоенный период, опираясь в основном на данные протоколов его заседаний. Особенно удивительно то, что не все модные дома входили в состав учреждения, и в члены принимались только производители одежды очень высокого качества. Палата до начала Второй мировой войны насчитывала 140 членов. Образование рабочих было постоянной заботой бизнес-ассоциации, которая считала, что высококвалифицированная рабочая сила необходима в ремесленном секторе. В 1921 г. палата учредила фонд для финансирования половины расходов на профессиональную подготовку подмастерьев, а в 1931 г. были открыты две собственные профессиональные школы. Chambre Syndicale управляет парижскими школами моды, в которых обучают подающих надежды дизайнеров и технических специалистов в области моды. Знаменитые дизайнеры беседуют со студентами и дают им возможность увидеть модные показы. Для сокращенных домов моды это отличный источник квалифицированной рабочей силы и свежих талантов. Кроме того, ассоциация предлагала гранты и стажировки в своих установках лучшим студентам. Фактически, палата активно работали над тем, чтобы избежать копирования моделей. Во-первых, тщательно отбирались те, кто мог посещать показы мод (журналисты, корпоративные покупатели и частные клиенты). Во-вторых, уделяли первоочередное внимание продажам на внешних рынках, способствуя созданию национального бренда, чтобы укрепить французскую идентичность. В-третьих, в 1921 г. синдикат Высокой моды создал собственную службу правовой защиты для защиты от копирования моделей и консультирования своих членов по этим делам. Кроме того, палата сыграла очень важную роль в координации кадровой политики своих членов, чтобы способствовать стабильности рабочей силы и избежать потери человеческого капитала и фильтрации уникальных методов каждой фирмы. Вероник Пуйар приходит к выводу, что Chambre Syndicale de la Couture не был картелем, но позволял своим членам обмениваться информацией и проводить общую политику. Однако эта координация происходила только на уровне делового администрирования. Ассоциация никогда не представляла собой платформу для согласования тенденций в отношении стиля и цвета или для решения других творческих аспектов отрасли. Рождение моды на готовую одежду В 1922 году в Венеции родился Пьер Карден (настоящее имя Пьеро Кардино), но вырос во Франции, куда переехала его семья; изучал архитектуру в Париже. На протяжении 1950-х годов высокая мода диктовала стили, которые затем копировались в массовой моде. Также активно развивалось производство готовой одежды. По окончании Второй Мировой войны он работал на швейной фабрике в Виши, где шил женские костюмы. В 1958 г. Карден создал силуэт «баллон» для пальто, а также для коктейльных платьев. Его коллекция женской готовой одежды была разработана в 1959 году и стала частью коллекции для французского торгового дома «Printemps» и немецкого торгового дома «Herti». Как бы то ни было, стиль его моделей 1950-х принципиально не отличался от общего направления «new look» того времени. Пьер Карден был одним из первых, кто открыл миру прет-а-порте. Он был исключен из Синдиката высокой моды в 1960-х годах. И в то же время стиль Кардена был очень четким и структурированным. Он предпочитал большие костюмы и большие пальто с четкими деталями и отложными воротниками. В тот момент, когда высокая мода «вышла из моды», практически все кутюрье, следуя примеру Кардена, начали выпускать коллекции прет-а-порте. Карден был исключен из Синдиката высокой моды, так как считалось, что он нанес ущерб имиджу высокой моды. Все было расставлено по своим местам, когда почти все кутюрье стали выпускать коллекции готовой одежды, последовав примеру Кардена. Уже к середине 1970 годов «прет-а-порте» стал приобретать все большую популярность в мире моды и искусства. В то время одежда массового производства была выхолощенной и запоздалой, а в 60-х годах XX века прет-а-порте становится «полноценной» модой, несмотря на то, что речь идет об одежде массового производства. Но вместо того, чтобы быть в авангарде развития модной индустрии, от кутюр все чаще отстает. Мода, созданная в рамках от кутюр, становилась все более сенсационной, но при этом не оказывала влияния на остальную часть модного мира. Зародилась тенденция готовой одежды с показами мужской и женской моды в Нью-Йорке, Париже и Милане. Первый показ женской моды прошел в Дюссельдорфе, в 1951 году было проведено первое шоу во Флоренции, с 1956 года — в Париже. В 1960-х годах общество развивалось таким образом, что нормы, навязанные высокой модой, устарели. Все большее число женщин хотели иметь возможность одеваться элегантно и по доступной цене. Ив Сен-Лоран следовал своему желанию создавать одежду для всех, а не только для богатых. 26 сентября 1966 года Сен-Лоран стал первым кутюрье, открывшим бутик готовой одежды под своим именем. Вместо того, чтобы воспринимать готовую одежду как более дешевую версию высокой моды, он создал совершенно отдельную коллекцию и с таким же вниманием относился к прототипам. Это был определенный успех. Бутик открылся в Нью-Йорке в 1968 году, а через год — в Лондоне. В 1969 году Сен-Лоран также открыл бутик готовой одежды для мужчин. Он задал новый вектор моды, когда открыл свой первый магазин Rive Gauche и предложил доступную одежду молодым женщинам. Также успех распространения женского смокинга был связан с гениальным коммерческим ходом: женский смокинг уходит в коллекцию Yves Saint Laurent Rive Gauche, и молодое поколение сразу приняло модное новшество. Автор: Арсений Биньевский

Совсем недавно не стало двух мэтров советской и российской моды. 30 апреля скончался Вячеслав Зайцев. Спустя два дня, 2 мая, не стало Валентина Юдашкина. Этих двух дизайнеров едва ли можно сравнивать: у них не только большая разница в возрасте, но и отличаются направления деятельности. Однако одна важная общая черта у них все же была: они внесли огромный вклад в развитие моды в России. Именно эти дизайнеры показали миру, что в нашей стране тоже есть модельеры, которые не уступают французским коллегам. Ни для кого не секрет, что Юдашкин проходил преддипломную практику в Доме моды у Вячеслава Зайцева, окончив в 1986 году факультет моделирования Московского индустриального техникума. Таким образом, Валентина можно назвать учеником Зайцева, который стал новым символом развития российской моды. Зайцев часто бывал на показах Юдашкина и заступался за коллегу. Например, когда его критиковали за сделанную для военных форму. Слава Зайцев Выдающийся дизайнер Вячеслав Зайцев родился 2 марта 1938 года в Иваново (СССР). Ребенок родился в семье, где мать работала прачкой и уборщицей, а отец ушел на войну, когда Славе было три года, потом попал в плен, из него бежал и дошел до Берлина. Мать Славы Зайцева сильно повлияла на выбор профессии. Именно из любви к матери он попробовал свои силы в вышивке и создал небольшие подушки, используя различные стежки крестом, но вышивка требовала таланта к счету и рисованию. А рисовал Слава все вокруг себя — гвоздики, лилии и черную смородину. Тогда-то и появился интерес у Зайцева ко всему, что связано с природой. Не имея возможности учиться по своему выбору, в 1952 году Слава поступил в химико-технологический техникум в родном городе. В результате он вышел из учебного заведения с дипломом на руках и художественными знаниями в области текстильной промышленности. После этого Зайцев получил диплом Московского государственного текстильного университета, который окончил с отличием в 1956 году. В будущем молодой человек получит диплом по специальности художник-модельер. Когда Слава Зайцев окончил Московский государственный текстильный университет, он стал работать дизайнером женской одежды на одной из подмосковных фабрик. Первая коллекция молодого человека нарушила статус-кво, поскольку он отошел от привычной серой одежды для рабочих и создал красочные куртки, сапоги и платья с посадскими мотивами. В творческом совете его обвинили в токсичном воздействии на советский народ. Огорченный, Зайцев принялся раскрашивать скучные, некрасивые вещи гуашевыми красками. В 1959 году Вячеслав женился на Марине, с которой познакомился на третьем курсе университета, и в 1960 году у них родился сын Егор. Слава Зайцев — художник, дизайнер, модельер, поэт и график. Ему очень нравилось играть роль режиссера, когда он показывал свои работы в «театре моды». В результате этого увлечения Зайцев пошел дальше и начал создавать костюмы и сценографию для различных спектаклей. Например, «Женитьба Фигаро» Бомарше была одной из пьес, над которыми он работал для Московского театра сатиры. Он также участвовал в постановках для Малого драматического театра, МХТ имени Чехова и знаменитого театра «Современник». Конечно же, все привело к тому, что Зайцева стали привлекать для создания декораций и костюмов для кинофильмов. В 1963 году, в возрасте 24 лет Зайцев дал интервью французским журналистам для парижской газеты Paris-Match. Статья называлась «Человек, диктующий моду в Москве». Через два года после публикации этой статьи Зайцев познакомился с Марком Боаном из Dior и другими модельерами, такими как Ги Ларош и Пьер Карден, которые жаждали встречи с дерзким русским. Он только что закончил учебу, и его представили фигурам, которые в будущем стали ведущими дизайнерами в мире моды. Парижская газета опубликовала фотографию Зайцева с Пьером Карденом и Марком Боаном, впечатленными его творениями, в статье под названием «Короли моды». Карден даже назвал его равным себе, а французская пресса прозвала его «красным Диором». Стоит отметить, что россияне стали центром мирового внимания после того, как Зайцев одел в костюмы несколько чемпионов России по фигурному катанию, а также стюардесс и сотрудников авиакомпании «Аэрофлот». Таким образом, самыми яркими примерами его работы на мировой арене стали костюмы, созданные Зайцевым для советской команды на Олимпийских играх в Москве в 1980 году и зимних Олимпийских играх в Сараево в 1984 году. Не в последнюю очередь талант Славы был отмечен на фотовыставках, выставках живописи и рисунка, организованных в Лос-Анджелесе и Сан-Франциско. Слава Зайцев — единственный советский дизайнер одежды, который выпускал собственную одежду в московском Доме моды. Компания открылась театрализованным показом 19 июня 1982 года, и классические черные пальто с аппликациями сделали его предметом обсуждения в городе. Это было подарком советского государства жителям столицы на празднование юбилея российской столице. С тех пор слава модельера на Западе росла, а его коллекции были представлены на Неделях моды в Париже и Флоренции. В 1988 году, впервые в истории высокой моды, советский дизайнер вызвал бурю эмоций в Париже. Он был признан человеком года в ультраэлитарном мире моды, а позже получил звание почетного гражданина города Парижа. В 2016 году Вячеславу Зайцеву был поставлен диагноз болезнь Паркинсона. Скончался великий модельер 30 апреля 2023 года в Щёлковской городской больнице, а похоронен на Жегаловском кладбище, согласно решению его сына-модельера Егора Зайцева. Валентин Юдашкин Валентин Юдашкин — один из самых известных российских модельеров и единственный российский дизайнер, удостоенный членства в Синдикате высокой моды в Париже. Он также являлся членом Академии художеств Российской Федерации и народным художником России. Юдашкин родился 14 октября 1963 года в Московской области. В детстве он любил рисовать и был увлечен одеждой и дизайном. В советское время это было не очень популярным увлечением среди мальчиков, и Юдашкин рисковал стать изгоем. Однако он продолжал заниматься своим делом. После окончания школы он поступил в Московский индустриальный техникум на специальность «дизайн одежды и визаж». Родители Юдашкина не были в восторге от его выбора профессии, но решили не давить на него. Тот факт, что он был практически единственным парнем в группе, не смутил его — он упорно учился и окончил учебное заведение с отличием. Свою первую коллекцию Юдашкин создал во времена перестройки, когда Россия открывалась для новых идей. В 1987 году около 150 предметов из коллекции Юдашкина были показаны в Москве. Они настолько всем понравились, что сделали его знаменитым на всю страну. Его слава дошла до Франции, и через год он был приглашен в Париж — поездка, которая в корне изменила его представление о моде. Приехав из Советского Союз, страны вечного дефицита, Юдашкин был потрясен разнообразием цветов, тканей и форм, с которыми можно было работать. Дома было достаточно сложно купить варежки, а здесь, в Париже, перчатки продавались в комплекте с шапками. Юдашкин открыл для себя совершенно новый мир и был полон решимости воплотить его в жизнь у себя на родине. В 1991 году был создан бренд Valentin Yudashkin и его первая коллекция Haute Couture. Она называлась Fabergé и была вдохновлена знаменитым произведением искусства. Самыми популярными вещами этой коллекции были платья, выполненные в форме яйца и украшенные в стиле Фаберже. Он привез коллекцию на неделю моды в Париже, и она мгновенно стала успешной, поразив даже таких известных кутюрье, как Пьер Карден и Пако Рабане. Его платья Фаберже путешествовали по всему миру, некоторые из них были приобретены Лувром, а несколько других предметов попали в Калифорнийский музей моды и Нью-Йоркский музей Метрополитен. С тех пор каждый год Юдашкин привносит свою долю гламура в мир моды. Его коллекции «Музыка» (1992), «Nature Morte» (1993), «Фрески» (1994), «Екатерина Великая» (1994) и «Балет» (1995) были яркими и оригинальными. В 1996 году к Юдашкину пришел самый большой успех, когда он был принят в Синдикат высокой моды в Париже, что дало его работам официальный статус Haute Couture. Впервые российский дизайнер был поставлен в один ряд с Версаче и Валентино. У экзотических моделей Юдашкина были экзотические имена: Райские птицы (1996), Рождественский сон (1997), Врубель (1997), Немое кино (1998), Анна Каренина (1998), Конец века (1999), Покажи мне любовь (2000), Импрессионисты (2000). Юдашкин любил все русское — национальную одежду и цвета, историю, культуру и великих личностей. Он использовал свои коллекции, чтобы выразить эту любовь и показать миру огромное и неизведанное богатство своей родной страны. Визитной карточкой его одежды является нежная и роскошная вышивка бисером, жемчугом и стразами. К 1997 году у Юдашкина было столько идей, что Haute Couture уже не мог их вместить, и он запустил производство линии prêt-a-porter. Интересно, что начинал он с коллекции практичных джинсов, которые продавались в его первом бутике, открытом в центре Москвы. Юдашкин расширил свой дизайнерский талант до аксессуаров, обуви, парфюмерии, ювелирных изделий и даже столового серебра. В 1993 году Юдашкин осуществил мечту всей своей жизни — собственный Дом моды. За эти годы он усовершенствовал бренд Yudashkin и сделал его очень привлекательным на Западе. Французская Палата Высокой моды и Prêt-a-Porter, членом которой был Юдашкин, хотела, чтобы он открыл мастерскую во Франции в обмен на помощь Палаты в организации показов его коллекций Haute Couture в Париже. Для Юдашкина это означало бы жить между двумя странами, а такой жизни он не хотел. К тому времени он решил, что стал достаточно сильным, чтобы выжить самостоятельно, и отказался от услуг Парижской палаты. Более того, он проводил собственные показы вне времени, установленного Палатой, — беспрецедентный шаг в мире моды, который, вопреки всем опасениям, только повысил его популярность. Вскоре его примеру последовали и другие дизайнеры. Юдашкин любил перемены и эксперименты. Он считал, что самый интересный момент в создании коллекции — это самое начало. Поэтому, как только он заканчивал одну коллекцию, он начинал работать над следующей. Обычно он работал без перерыва день и ночь, находясь под вдохновением, и у него было очень мало времени на семью. Тем не менее, он всегда шил новое платье для своей дочери на Новый год. В 2016 году у Валентина Юдашкина было обнаружено онкологическое заболевание. Оно стало причиной образования метастазов по всему телу. Валентин скончался 2 мая 2023 года в Москве и был похоронен на Троекуровском кладбище. Автор: Арсений Биньевский

Такие слова, как «шик» и «роскошь», стали настолько избитыми в лексиконе моды, что несколько утратили свое истинное значение. В не столь отдаленном прошлом мы бы ассоциировали роскошь с жизнью знаменистей, с открытым демонстрированием того, что у человека есть деньги. Но в 2023 году объектив роскоши сузился; сегодняшняя роскошь утонченна и сдержанна, воплощена в качестве и отсутствии логотипов. Это не бросается в глаза, а скрывается в простоте. Роскошь стала тихой. Учитывая глобальный финансовый прогноз, последствия пандемии и нестабильную геополитику, индустрия моды переживает не лучшие времена. «В таких брендах, как The Row, Chloé, Khaite, Ferragamo, Fendi, Chanel и Saint Laurent, царит атмосфера консерватизма, сдержанности и неприятия показухи — все они демонстрируют гораздо больше невмешательства и классического стиля», — говорит модный журналист Харриет Квик. На неделе моды в Париже довольно часто можно было увидеть бежевые и серые цвета, кашемировый трикотаж и довольно строгие образы — все это часть того, что в интернете называют «тихой роскошью», стилем «скрытого богатства». Тихую роскошь часто связывают с эстетикой «old money», хотя сложно это назвать обычной эстетикой, — это скорее определенная культура жизни с установленными правилами во всем, от выбора гардероба до выбора хобби. Распространение эстетики, конечно, связано с визуальными образами, здесь предсказуемо большую роль сыграли социальные сети. TikTok заполнен эстетикой старых денег. В роликах показаны разнообразные роскошные фотографии, от подиума Кристиана Диора до тихой роскоши от Ральфа Лорена... Мода постоянно меняется, но эстетика старых денег существует уже давно. И благодаря TikTok переживает расцвет своей популярности. Хотя громкие тренды, вдохновленные эпохой нулевых, в последнее время пережили своего рода возрождение, многих из нас по-прежнему привлекает сдержанная элегантность моды old money. Простота одежды old money создает интересный парадокс: вещи, которые не кричат о богатстве, на самом деле представляют собой крайнее богатство. Этот парадокс очаровывает сообщество TikTok, которое было завалено эффектной одеждой с логотипами от различных влиятельных людей. Появившийся интерес к эстетике связан с двумя событиями: это выход нового сезона сериала «Наследники», который наполнен эстетикой тихой роскоши, и судебный процесс Гвинет Пэлтроу. Этот переход к непритязательной роскоши захватил поп-культуру. Образы в сериале выглядят не вычурно, очень изысканно, роскошно и в целом минималистично. А абсурдный суд Гвинет привлек внимание прессы так, что New York Times выпустила статью, где разобрала образы актрисы. Журналисты NYT пишут: «Это одежда, застегнутая на все пуговицы и консервативная — и в то же время роскошная и непринужденная: шикарный костюм цвета слоновой кости с круглым вырезом в первый день, твидовые брюки землистого цвета и длинное лоденовое пальто; аккуратный темно-синий кардиган с воротником и шерстяная юбка миди по требованию истца; свободный серый брючный костюм. Все они сочетаются с коричневыми или черными ботинками на шнуровке, мягкой коричневой сумкой-тоут, массивными золотыми украшениями и очками для чтения в авиаторской или роговой оправе (а также многоразовой бутылкой для воды). Ни одна из них не была явно фирменной, оставляя зрителям гадать о марке (и стоимости). Ботинки от Celine? Вероятно. Авиаторы, Gucci? Возможно, или это могут быть Ray-Bans. Пальто в модном ряду? Возможно». Прежде, чем говорить о стиле и эстетике old money, стоит разобраться с происхождением термина и понять, откуда растут ноги. Согласно одноименной книге Талли Байрона, данный термин традиционно относится к богатым людям, которые унаследовали свое богатство, обычно по линии предков, которые также унаследовали его; таких людей вы можете себе представить посещающими матчи по поло и потягивающими шампанское на парусных лодках. Однако к «new money» относятся те, кто разбогател позже в жизни и чьи стили часто (и иногда несправедливо) отвергаются как слишком громкие и кричащие. При этом то поколение, которое сейчас относится к категории «old money», когда-то таковым не считалось, оно воспринималось как «new money» и вызывало такое же неодобрение старшего поколения. Термин «old money», а также стиль жизни и статус, которые с ним связаны — были предметом восхищения на протяжении десятилетий. Тайные жизни и негласные кодексы неприлично богатых послужили фоном для бесчисленных фильмов и телевизионных шоу, вдохновили на написание многих романов и, по сути, стали золотым стандартом того, чего можно достичь при капитализме. По большей части это был образ жизни, который жил в царстве грез под маской того, что если вы будете достаточно усердно работать, вы тоже сможете жить так. И теперь идеал старых денег привлек внимание молодого поколения благодаря социальным сетям. То есть в появлении эстетики old money мы можем наблюдать один из главных принципов моды — подражание. Если рассматривать этот феномен с социологической точки зрения, то популярность эстетики связана с желанием примкнуть, стать ближе к высшему обществу, получить статус и богатство аристократических семей. Стиль «старых денег» возник в массовой культуре благодаря эстетичному внешнему виду тех самых состоятельных семей. Источником вдохновения служит образ жизни американской золотой молодежи 50-70х годов. Дети богатых родителей учились в престижных заведениях, занимались гольфом, верховой ездой, ходили под парусом, посещали светские вечеринки. Одежда отражала их образ жизни как нельзя иначе: прямые брюки со стрелками, классические рубашки, пиджаки, теннисные костюмы и поло. Комфорт, элегантность и сдержанность — основные черты стиля. Привилегированность также отражалась с помощью дорогих аксессуаров. Эстетика старых денег была возрождена в виде перезагрузки XXI века, убрав присутствие логотипов и клеймо «Только для богатых и знаменитых». Внешний вид больше не сводится к тонким кодам богатства, и поскольку тенденция утратила свои классовые ассоциации, поколение Z нашло в нем множество преимуществ. В частности, в этой тенденции большое внимание уделяется качественным товарам. Новая эстетика old money заключается не столько в том, чтобы выглядеть состоятельным, сколько в том, чтобы сознательно совершать покупки и инвестировать в свой гардероб. Возможно, это тренд сам по себе, но связанный с ним образ способен увлечь вас на десятилетия, а изделия рассчитаны на долговечность. Покупка в секонд-хендах дает возможность использовать классические стили, не попадая в круговорот быстрой моды. Привлекательность «неподвластности времени» заключается в том, что вы можете создать гардероб, который можно носить вечно, с вещами, которые никогда не состарятся и не потеряются из-за прихоти тенденций. В настоящее время стиль old money идет параллельно с трендом на экологичную моду. Идейно течения сходятся в том, что главный акцент приходится на высококачественные материалы, нейтральные оттенки и долговечную одежду. Стремление «выглядеть богато» уходит на второй план, а осознанные покупки и инвестиции в свой гардероб занимает первое место в жизни современного человека. Одежда в эстетике «старых денег» предназначена для длительного пользования. Создавая гардероб в этом стиле, вы можете быть уверены, что будете носить его вечно, так как вещи не потеряют актуальность и не состарятся. Секрет максимально прост — классическая одежда, высокое качество и правило трех цветов: два основных цвета и один акцентный. Аристократы остались в прошлом, а мода продолжает жить и сегодня. Придерживаться ли стиля old money или нет — выбор за вами, однако всегда можно найти вдохновение для собственного образа, обращаясь к различным течениям и культурам. Как вы можете распознать «тихую роскошь»? Поскольку «тихая роскошь» — это частная, персональная форма проживания в достатке, ее не всегда легко распознать. В большинстве случаев одежда, которую носят люди, живущие в соответствии с тихой роскошью, проста и неприметна, на ней отсутствуют или видны только очень сдержанные логотипы, и вряд ли есть что-либо еще, указывающее на ценность одежды или аксессуаров. Особенно для людей, которые сами не так богаты, как люди, живущие в «тихой роскоши», часто невозможно определить предметы роскоши как таковые. Такая осмотрительность способствует эксклюзивности «тихой роскоши», поскольку только знатоки — люди, которые признают бренды и одежду. Таким образом, «тихая роскошь» становится чем-то вроде секретного кода. Признаками, которые могут свидетельствовать о «тихой роскоши», являются, например, очень высококачественные материалы, такие как кашемир, шелк или определенные виды шерсти. Особенно хорошо сидящая одежда также может свидетельствовать о ценности товара. Кроме того, тенденция фокусируется на неподвластном времени стиле с использованием простых классических цветов, фасонов и кроя — такие предметы одежды, как шерстяные пальто, простые джемперы, однотонные футболки, брюки cigarette или Marlene, классические блузки и рубашки, а также сдержанные блейзеры и жакеты, являются частью стандартной экипировки «тихой роскоши». В основном индивидуальная одежда однотонная — популярны классические цвета, такие как темно-синий, черный, белый, бежевый, серый, кремовый или красный, — или только очень сдержанные, со вкусом расцвеченные или классические узоры, такие как клетка, тонкая полоска или отдельные декоративные элементы. «Меньше значит больше» также является девизом для обуви и сумок данной эстетики. Благодаря отсутствию крупных логотипов, кричащих цветов, привлекательных платформ или особенно высоких каблуков сумки и обувь также незаметно вписываются в неподвластный времени образ и позволяют владельцу быть безупречно одетым в любой ситуации. Какие бренды особенно популярны в мире old money? Особенно в мире моды, многие бренды эстетики большинству людей неизвестны. Khaite, The Row, Totême или Ganni — вот некоторые названия, которые славятся своими неподвластными времени изделиями. Несколько более известными примерами «тихой роскоши» являются модные бренды, такие как Loro Piana или LOEWE. Изделия, сшитые по индивидуальному заказу, также играют большую роль — в конце концов, личный комфорт и собственное благополучие находятся на переднем плане, а деньги играют роль в выборе одежды в очень немногих случаях. Автор: Арсений Биньевский

Прошло более восьми лет с тех пор, как термин «normcore» вошел в наше коллективное сознание, и хотя его популярность то спадала, то поднималась, увлечение эстетикой по-прежнему сильно. Сам термин оказал такое влияние, что, казалось бы, каждый день в название нового, не связанного с ним стилевого направления добавляется слово «core» — balletcore, cottagecore, gorpcore и т.д. Тем не менее, многие все еще пытаются расшифровать и воплотить феномен моды в стиле нормкор, о чем свидетельствует тот факт, что данный термин все еще присутствует практически в каждом популярном издании о моде. Долгое время слово «normcore» занимало второе место в Оксфордском словаре английского языка в номинации «Слово года», пришло время разобраться в удивительно сложном значении слова «normcore» наряду с его вирусной эволюцией и причудливыми вариациями. Эта история началась в далеком 2009 году. Карикатуриста по имени Райан Эстрада пригласили нарисовать гостевую полосу для комикса Templar, AZ. Он придумал разговор о все более нелепых субкультурах, суть которого сводилась к Normcore. Люди носят обычную одежду, все большее предпочтение отдают футболкам и джинсам, используют сленг, присвоенный из других субкультур, но только через три года после его первого использования, и только через три года после того, как он был использован в ситкоме. Вскоре все позабыли сатирический намек на молодежные субкультуры и продолжили жить своей жизнью. Однако на этом история нормкора не закончилась. В 2013 году ироничное агентство по прогнозированию тенденций K-Hole ввело этот термин в свой ежегодный отчет, чтобы описать поколение молодежи, которое перешло границы индивидуализации и стремилось к принадлежности. Появилась статья в журнале NY Mag, и термин превратился из задумчивого описания душевного состояния в модный тренд, который охватывал джинсы с начесом и удобные кроссовки или небрендовые бейсболки в сочетании с водолазками, спортивными штанами и джинсами в обтяжку. В статье упоминался актер Джерри Сайнфелд как маловероятная икона этого нового тренда, и именно так термин стал вирусным. По сути, мода на нормкор — вышедшая из-под контроля шутка — это принятие обыденности и следование за толпой, бросание вызова альтернативным субкультурам и более сложным или смелым подходам к моде. Конечно, в 90-е Хельмут Ланг сделал изящный минимализм стилем дня, но он по-прежнему был неразрывно связан с роскошью и чувством принадлежности к чему-то особенному. Нормкор сказал, что вам не нужно чувствовать себя или выглядеть особенным, чтобы принадлежать к группе. Один из отчетов K-Hole абсолютно точно описывает всю философию и особенность нормкора: «Нормкор не хочет свободы, чтобы стать кем-то. Нормкор хочет свободы быть кем угодно. Возможно, вы не понимаете правил футбола, но вы все еще можете испытать острые ощущения от рева толпы на чемпионате мира. В нормкоре никто не претендует на то, чтобы быть выше унижения принадлежности». С точки зрения моды, нормкор воплощает ностальгические наряды из популярных ситкомов 90-х годов. В сети очень часто появляются фото образов из культового сериала «Друзья», которые идеально отражают эстетику нормкора. Подумайте о рубашках на пуговицах, брюках, простых ремнях, джинсах с высокой талией, папиных кроссовках, сандалиях на плоской подошве и других практичных и базовых вещах. Также с эстетикой нормкора очень часто связывают минималистичные образы Стива Джобса, Марка Цукерберга, Билла Гейтса. Нормкор ассоциируют с модой для богатых и успешных. Ведь такие люди концентрируются на своей работе и им некогда думать о том, что сейчас модно. Такой простой подход к одежде позволяет выбрать для себя простую, но качественную одежду и избавить человека от вечной погони за модой. Стив Джобс как ключевая фигура нормкора Стив Джобс был человеком, известным своим фирменным стилем. В течение последнего десятилетия жизни генерального директора и предпринимателя почти никогда не видели на публике без его черной водолазки, синих джинсов и кроссовок New Balance. Многие перестали задаваться вопросом, почему Джобс выбрал такую необычную одежду для презентации миру революционных продуктов, но оказывается, что на самом деле существует интересная история о том, почему Джобса никогда не видели без водолазки и синих джинсов. Отрывок из его биографии: «Во время поездки в Японию в начале 1980-х Джобс спросил председателя Sony Акио Мориту, почему все на заводах компании носят униформу. Тот сказал Джобсу, что после войны ни у кого не было одежды, и таким компаниям, как Sony, приходилось каждый день давать своим работникам что-нибудь надеть. С годами у униформы появились свои фирменные стили, особенно в таких компаниях, как Sony, и это стало способом привязать работников к компании. «Я решил, что хочу такого рода связи для Apple», — вспоминал Джобс. Компания Sony, ценящая стиль, привлекла известного дизайнера Иссея Мияке для создания своей униформы. Это была куртка из нейлона rip-stop с рукавами, которые можно было расстегивать, превращая ее в жилет. Джобс позвонил Мияке и попросил его разработать дизайн жилета для Apple. Джобс вспоминал: «Я вернулся с несколькими образцами и сказал всем, что было бы здорово, если бы мы все носили эти жилеты. О боже, меня освистали со сцены. Всем эта идея не понравилась». Однако в процессе работы он подружился с Мияке и регулярно навещал его. Ему также понравилась идея иметь униформу для себя, как из-за ее повседневного удобства (обоснование, которое он утверждал), так и из-за ее способности передавать фирменный стиль. «Итак, я попросил Иссея сшить мне несколько его черных водолазок, которые мне нравились, и он сшил мне их сотню. Это то, что я ношу. У меня их хватит на всю оставшуюся жизнь». Соблюдение этой «униформы» помогло Джобсу стать одним из самых узнаваемых генеральных директоров в мире. Большинство руководителей такого уровня можно было увидеть в дорогих костюмах, но то, что носил Джобс, олицетворяло его дух. Он был бунтарем. Он думал иначе. Любопытно оглянуться назад и подумать о том, какую принадлежность к бренду имела бы Apple, если бы Стив Джобс одевался как любой другой генеральный директор. Поначалу это может показаться незначительной деталью, но все, что делал Джобс, было преднамеренным. Он знал, что создание фирменного стиля обеспечит Apple уникальные отношения со своими клиентами. Normcore, наше время Когда Кейт Мосс неожиданно появилась на подиуме Bottega Veneta весной 2023 года, возможно, самым большим шоком стало то, что на ней было надето. Икона, запустившая тысячу досок на Pinterest, сменила свои гламурные ансамбли на простые джинсы оверсайз и фланелевую рубашку с принтом, достойным Курта Кобейна. Этот момент оказался своего рода индикатором тренда, поскольку сезон изобиловал белыми майками, переосмысленным денимом (выполненным из кожи в Bottega Veneta или комично оверсайз в Vaquera) и причудливыми «папиными» кепками на звездах уличного стиля. Добро пожаловать в новую эру нормкора — и всю ностальгию по 2010-м, которая с ней связана. Во время пандемии мы жили в период максималистской моды, и теперь пришло время откатиться обратно в минимализм. В наши дни мы наблюдаем новый рассвет нормкора и других эстетик. Мода уходит от рамок и дает теперь такое разнообразие, которого не было раньше. Воскрешение эстетик, конечно, во многом связано с соцсетями, а также с тем, что моде больше нечего предложить. Циклы моды стали повторяться все чаще и ориентируются на прошлые эпохи и тенденции. Говоря о том, что сейчас модно, можно ответить просто: модно сейчас все, зависит от того направления стиля, которое вы выбрали. Тренды больше не имеют той силы, что раньше, их стало так много, что мода стала открыта для всех. Теперь невозможно быть вне моды. Даже противопоставляя себя трендам, вы все равно в итоге оказываетесь в одном из модных направлений. Сегодняшний мир создал условия, в которых невозможно существовать вне моды. Автор: Арсений Биньевский

Большинство рассказов об истории американской моды начинаются в начале 1600-х годов, когда французские колонисты носили европейскую одежду из страны своего происхождения. Но эти повествования опускают то, что было раньше, и отрицают огромное вдохновение, которое мода коренных американцев принесла последующим поколениям дизайнеров. От витиеватых узоров на военных рубашках индейцев до замысловатого лоскутного шитья набедренных повязок, мода коренных американцев варьировалась от племени к племени, подчеркивая местную самобытность и ресурсы так, что большинство современных брендов устойчивой моды позавидовали бы. В XIX веке американская мода начала приобретать более отчетливую индивидуальность. Подъем индустриализации привел к созданию новых тканей, таких как хлопок и синтетические материалы, которые сделали производство одежды более быстрым и дешевым. Это, в свою очередь, привело к росту индустрии готовой одежды, а одежда массового производства стала более доступной для широкой публики. Долгое время такого понятия, как «американская мода», и вовсе не было. В 1900-х годах, после столетий зависимости от диктата парижской моды, американцы вырвались на свободу и стали устанавливать свои собственные модные тенденции. Мода XX века: новая женщина На рубеже веков Америка переживала быструю урбанизацию и индустриализацию. Если посмотреть на страну в целом в это время, можно увидеть волны прибывающих иммигрантов и бесчисленных городских жителей, вынужденных ютиться в переполненных трущобах. В среде, где молодые женщины были изолированы от своих семей и в значительной степени предоставлены самим себе, им необходимо было адаптироваться. Так появилась новая женщина: независимая, активная, подвижная и уверенная в себе, ее ничто не могло остановить, и мода должна была этому подражать. Женская мода в целом была более смелой, и более состоятельные женщины должны были менять свою одежду три-четыре раза в день. К началу десятилетия идеально уложенный и стройный стиль, который ранее доминировал в моде, постепенно сходил на нет. Женщины все меньше желали подвергать себя пыткам корсетом, который в то время изготавливался из плотного хлопка, укреплялся сталью или китовым усом для придания телу S-образной формы, эффективно подчеркивая бюст. Обнаружив, что ее выбор одежды ограничен, женщина по имени Мэри Фелпс Джейкоб в 1913 году создала прототип бюстгальтера, популярность которого вскоре возросла среди других женщин, желающих стать настоящей новой, активной женщиной. По иронии судьбы, в моде также была облегающая юбка, известная как «хромающая юбка»: она сильно ограничивала походку владелицы. Их носили городские женщины, пока в 1915 году не популяризировались массовые танцы. Спортивная одежда стала актуальной, поскольку подчеркивала достоинства женских тел, позволяя им свободно двигаться. Акцент, безусловно, был сделан на этой новой, подвижной женщине, хотя от нее все еще ожидали, что она сохранит некоторую ауру женственности. Тенденции женской моды в 1920-х годах Окончание Первой мировой войны принесло новое чувство свободы и независимости женщинам в Соединенных Штатах. Именно в это десятилетие появился новый тип молодой американской женщины, одежда которой кричала о современности. До 1920-х годов американские женщины стремились выглядеть старше своего фактического возраста, но с введением в действие 19-й поправки в 1919 году, гарантирующей женщинам право голоса, они начали стремиться выглядеть все моложе и моложе. Женщины стали носить более свободную одежду, отказавшись от более стеснительной моды предыдущих десятилетий — подолы поднялись до беспрецедентного уровня длины до колен. Как изменилась женская мода во время депрессии С 1930-х годов, когда появилось представление о том, что худоба указывает на крайнюю бедность, прямые мальчишеские силуэты в одночасье были отменены в пользу гораздо более естественных форм. 1940-е годы были временем, определяемым войной, когда мужчины уходили из дома, и женщинам приходилось выполнять свои обязанности, хотели они того или нет. Война повлияла на все, включая моду, поскольку необходимость рационировать товары и материалы препятствовала созданию специфических или уникальных стилей. В стремлении сохранить ткань одежда была упрощена всеми возможными способами: на ней стало меньше карманов и пуговиц, были исключены любые украшения, а рукава и подол стали короче. Многие женщины покупали платья в Мексике, поскольку они были дешевле, что вдохновило дизайнеров на использование ярких узоров в своей одежде. Женщины тоже проявили творческий подход, поскольку нехватка шерсти заставила их переделывать мужские костюмы в женскую одежду. Перешитые костюмы по-прежнему сохраняли мужской силуэт, имея объемный вид с широкими плечами и юбками, которые покончили с узкой талией прошлых лет. Женщины также начали носить брюки, поскольку они обеспечивали еще большую функциональность и мобильность, чем юбки. Популярность брюк особенно возросла, поскольку работать на фабриках с тяжелым оборудованием в юбке было просто непрактично. Моде нужно было адаптироваться к новому стилю жизни, а это означало, что пришло время попрощаться с платьями и поздороваться с парой функциональных брюк. Женская мода 1950-х: счастливые домохозяйки К концу войны семейная жизнь выглядела привлекательной как никогда. Общество внезапно обнаружило, что возвращается к патриархальному образу домашнего очага. Теперь, когда мужчины приходили с войны, у женщин не было причин продолжать работу, хотя некоторым это не мешало работать независимо от того, что говорили об этом мужчины. В 1956 году во многих американских домах появился новый фасон, известный как платье-сорочка. Изначально платье высмеивали и называли «платье-мешок» за его бесформенный дизайн, тем не менее, женщины массово покупали эту модель. Как изменилась женская мода в 60-е годы Жаклин Кеннеди выделялась как самая публичная сторонница традиционной французской высокой моды, но ее подражатели были в основном среди богатых. Вместо этого большинство американцев приняли моду, которая была минималистичной и примитивной. Женщины 1960-х годов обычно носили длинные юбки или платья в пол днем и мини-юбки для прогулок по ночному городу, что представляет собой интересный переход от традиционно длинных и более провокационных вечерних платьев к более короткой дневной одежде. Переход имеет смысл, учитывая, что молодежь десятилетия ничего так не хотела, как отделиться от старшего поколения всеми возможными способами. Мини-юбка, несомненно, была сексуально заряженной одеждой, но в своей сексуальной привлекательности она стала источником власти для женщин, а также признаком того, что скромность — удел пожилых людей. Мода в эпоху 70-х Растущее несогласие с войной во Вьетнаме подлило масла в огонь борьбы с правительством, приведя к яростному пренебрежению общественными ценностями и моралью, что привело к появлению моды хиппи. Вместо того, чтобы соответствовать традиционным нормам одежды, хиппи часто присваивали символы из других культур, чтобы вдохновлять свой стиль, придавая моде более глубокий смысл как политическому заявлению, а не простой популярной причуде. Мейнстрим-мода продолжила тенденции, заданные мини-юбкой, чтобы как можно больше подчеркивать фигуру с помощью почти прозрачных платьев без рукавов, хотя самой уникальной чертой моды в начале десятилетия было отсутствие общего соответствия. Некоторые женщины носили длинные струящиеся платья и сандалии, в то время как другие щеголяли в мини и сапогах до колен. Некоторые люди обратились к более консервативным, собранным вещам, в то время как другие продолжали расхаживать в неряшливой одежде хиппи, что привело к массовому чувству индивидуализма, которое начало ослабевать по мере того, как десятилетие подходило к концу. Модные тенденции 1980-х Мода в начале 1980-х была похожа на моду 1970-х годов. Но к 1984 году такие поп-звезды, как Мадонна и Синди Лопер, привнесли в десятилетие новое чувство стиля, которое было сосредоточено на расширении границ с помощью креативных моделей, броских цветовых сочетаний и уникальных стилей. Женщины начали носить облегающие хлопковые леггинсы, сочетая их с объемными свитерами. Кроме того, молодые женщины также носили свободные брюки-парашюты, надевали облегающие укороченные топы. Многослойные образы также набирала популярность. Например, мини-юбки, сшитые из денима или спандекса, часто сочетались с леггинсами или гетрами. Аксессуары были ходовым товаром в тот период, особенно для подростков и молодых людей. Женщины часто носили яркие очки, несколько массивных браслетов и огромные серьги-кольца. Волосы завивали для придания большого объема, а в макияже использовались смелые тени для век, густая основа и яркая помада. Эволюция женской моды в 1990-х: в будущее По сравнению с кричащим стилем 80-х, мода 90-х придерживалась гораздо более минималистичного подхода. Взрослые в начале 1990-х носили джинсы свободного покроя с простыми футболками и вязаными свитерами, в то время как девочки-подростки часто выбирали яркую неоновую одежду: ярко-розовую, зеленую, голубую, оранжевую и желтую. К 1992 году эти яркие цвета были заменены более мягкими оттенками: коралловым, бирюзовым, сиреневым и другими. С появлением поп-звезды MC Hammer появились брюки-парашюты — брюки свободного кроя из хлопка с зауженными штанинами и завязками на талии. В течение десятилетия американцы уделяли особое внимание комфорту, отвергая неудобные тенденции одежды предыдущего десятилетия. Новый век американской моды На моду 2000-х повлияли такие знаменитости, как Бритни Спирс и Пэрис Хилтон. В моду вошли джинсы с низкой талией и укороченные топы. В 2010-х годах постепенно приходит эпоха социальных сетей, знаменитости становятся распространителями и эталонами моды, модные тенденции стали более сдержанными и нейтральными. В наше время мода проходит полный круг: все чаще молодые люди обращаются к образам из прошлых десятилетий и даже веков. К тому же, современное поколение создало и популяризировало десятки эстетических направлений. Мода эволюционировала от платьев с корсетами до огромного разнообразия форм и цвета, где каждый может найти то, что ему по душе. Автор: Арсений Биньевский

Кроссовки всегда занимали свое уникальное место в моде. Проходя грань между формой и функциональностью, они бывают разных стилей, имеют разное применение и разных пользователей. Есть те, кто носит кроссовки, потому что удобно, в то время как другие составляют почти культурную группу, создавая свои коллекции кроссовок, как настоящие ценители. Но что носили спортсмены до появления этой чудесной обуви? Греческие бегуны на первых Олимпийских играх соревновались босиком, однако позже начали носить сандалии для защиты ног от камней и горячего песка. В 1500-е годы люди, которые много путешествовали пешком, добавляли слои мха внутрь своей обуви. Это обеспечило небольшую амортизацию. Кроссовки прошли долгий путь от грубого изобретения из резины до важного элемента в гардеробе, который активно носят знаменитости и спортсмены по всему миру. Их эволюция и изменения превзошли все остальные виды обуви. Сегодня кроссовки стали популярным поджанром моды, выходящим далеко за рамки своего первоначального спортивного предназначения. Они могут служить как модным аксессуаром, так и незаменимым снаряжением на поле или площадке. Но откуда взялась культура кроссовок? Какие факторы способствовали тому, что такие бренды, как Nike, Adidas и Converse стали популярными брендами кроссовок по всему миру? Ученый Чарльз Гудиер открыл процесс, при котором серу добавляют в разогретую резину для создания гибкого, водонепроницаемого и крепкого материала. Таким образом он изобрел вулканизированную резиновую подошву. Несколько десятилетий позже этот метод был применен для изготовления обуви, что привело к созданию более прочной подошвы. Первой обувью с такой подошвой стали Плимсоллы. Обувь получила свое название в честь линии на корпусе корабля, которая названа именем британского парламентария Сэмюэля Плимсолла, выступавшего в середине 1870-х годов в поддержку этого протокола безопасности. Обувь имела брезентовый верх и резиновую подошву, которая обеспечивала нескользящую поверхность и изоляцию от холодной палубы. Плимсоллы были довольно примитивными, потому что не было четко различимого левого или правого ботинка. Таким образом появился предок современных кроссовок. New Liverpool Rubber Company основал Джон Данлоп, и он же запатентовал метод приклеивания резины к холсту. Эта обувь была дешевой, удобной в обслуживании и использовалась в качестве домашней обуви. В 1861 году в Англии был зарегистрирован первый патент на обувь с шипами. Сначала обувь использовалась для крикета, но вскоре была принята бегунами. С 1890-х по 1930-е годы дизайн кроссовок претерпел ряд заметных изменений. Ранний успех Reebok в последние годы XIX века (еще при J.W. Foster and Sons) был обусловлен выпуском кожаных кроссовок для бега, в которых использовали металлические шипы для лучшего сцепления с дорогой. В Германии Адольф «Ади» Дасслер и его старший брат Рудольф начали производить кроссовки для бега и футбола в 1920-х годах. Они изобрели первые в мире бутсы с острыми шипами, которые обеспечивали устойчивость при беге и давали преимущество спортсменам на футбольном поле. Им суждено было стать первым брендом спортивной обуви, получившим массовую популярность, и они оказались в центре внимания, когда их увидели на ногах четырехкратной олимпийской чемпионки Джесси Оуэнс на Олимпийских играх 1936 года. Длительная напряженность положила конец их совместному обувному бизнесу, братья основали конкурирующие фабрики в своем родном городе Херцогенаурах. Рудольф был первым, кто начал свою деятельность, основав свою компанию «Ruda» в январе 1948 года. Ади основал конкурирующее предприятие «Adidas» в августе следующего года. 1 октября 1948 года Рудольф зарегистрировал «PUMA» в немецком ведомстве по патентам и товарным знакам (DPMA) и переименовал свою компанию. С тех пор конкурирующие компании-братья по-прежнему имеют штаб-квартиры в одном городе. До XX века кроссовки считались исключительно спортивной обувью, поскольку бренды производили и распространяли их специально для занятий спортом. К 1913 году в США было 30 различных брендов кедов-плимсоллов, и все они были объединены в Keds в 1917 году (хотя изначально фирма называлась Peds в честь латинского слова «стопа»). Первыми кроссовками массового производства в США были Keds. Они продавались как обтекаемая базовая обувь с резиновой подошвой, которая в легкой атлетике держалась бы намного лучше, чем кожаная. Базирующаяся в Массачусетсе обувная компания Converse быстро последовала их примеру. В 1917 году они выпустили баскетбольные кроссовки «All-Star». Это был первый в мире высокий верх: полотно было скроено таким образом, что закрывало лодыжку, обеспечивая поддержку и легкость движения. В 1920-х годах баскетболист Чак Тейлор вложил свой спортивный опыт в процесс разработки своих именных кроссовок Converse. Одной из основных причин популярности кроссовок среди потребителей стало их применение в спорте, особенно в баскетболе. Никогда не было конкретной обуви, ассоциирующейся с баскетболом, пока не появился Чак Тейлор. Он был полупрофессиональным баскетболистом, который в 1921 году стал продавцом кроссовок Converse и продвигал их так хорошо, что в итоге стал лицом кроссовок. Это была первая спортивная обувь, одобренная знаменитостями. Эти кроссовки одними из первых преимущественно использовались для баскетбола с начала 1900-х годов вплоть до 1970-х годов. Растущая популярность баскетбола сделала Converse желанными среди потребителей, этот дизайн оставался практически неизменным на протяжении почти столетия и по-прежнему чрезвычайно популярен сегодня в качестве обуви для отдыха. Кроссовки носили в основном как спортивную обувь в первой половине XX века, но в 1950-х тенденции начали меняться, и дети стали носить их как аксессуар для стиля. В 50-х годах продажи кроссовок резко выросли, поскольку школьный дресс-код смягчился и дети, как правило, стали носить их. Использование этой обуви подростками также набрало обороты в эту эпоху. Фил Найт, выпускник Орегонского университета бизнеса, и его тренер по легкой атлетике Билл Бауэрман основали Blue Ribbon sports в 1964 году. Спустя восемь лет компания была переименована в «Nike» в честь греческой богини. Для кого были изготовлены первые кроссовки Nike, несколько спорно, поскольку на эту честь претендуют двое мужчин. Один из них — сам Фил Найт, а другой — Отис Дэвис, ученик Билла Бауэрмана. Swoosh (знаменитый логотип Nike) разработала Кэролин Дэвидсон, студентка Университета штата Орегон, за ничтожные 35 долларов. Nike в сотрудничестве с инженером из НАСА выпустила Nike tailwind в 1979 году. Они представляли собой выдолбленную подошву, заполненную плотным газом для обеспечения повышенной амортизации. К 1986 году Nike приобрела статус компании стоимостью 1 миллиард долларов. В следующем году Nike выпустила свою модель Air Max-1. В конце 1990-х годов Nike представила полностью настраиваемый Nike ID, который позволял покупателям выбирать цвет и материал в соответствии со своими предпочтениями. Современная мода, спорт и история кроссовок Первым игроком НБА, у которого были фирменные кроссовки, был Уолт «Клайд» Фрейзер с PUMA Clyde. Фрейзер был известен своим модным чувством стиля на площадке и вне ее. Он внес значительный вклад во внешний вид и дизайн кроссовок. Обувь известна своей замшевой отделкой и разнообразием цветов, в которых она выпускается. Как и у Чака Тейлора, имя Фрейзера было нанесено на саму обувь, но это копия его настоящей подписи. Майкл Джордан хотел подписать контракт с Adidas, поскольку это был его любимый бренд. Однако поворот событий привел к крупнейшему сдвигу в истории кроссовок. Кроссовки Nike Air Force Майкла Джордана дебютировали в 1985 году, став частью легенды поп-культуры. Air Jordan 1 создает культ кроссовок. В то время Майкл Джордан был всего лишь новичком (разумеется, с золотой олимпийской медалью за плечами), но это не помешало Nike подписать с ним пятилетний рекламный контракт в 1984 году. Вместе с этим контрактом он получил эксклюзивную новую обувь для ношения и продвижения — Air Jordan. Красно-черные кроссовки (в тон форме Джордана «Чикаго Буллз») изначально были запрещены комиссаром НБА Дэвидом Стерном, который постановил, что обувь, которую носят на корте, должна быть преимущественно белой. Джордан, как известно, все равно их носил, а Nike платила штраф в размере 5000 долларов после каждой игры. Публичный выпуск обуви в 1985 году многие считают катализатором современной культуры sneakerhead — сообщества коллекционеров и поклонников кроссовок, которые следят за новыми выпусками с увлечением, обычно предназначенным для классических автомобилей или швейцарских часов. Музыканты как законодатели моды Подобно спорту, музыкальная индустрия сыграла ключевую роль в истории кроссовок, сделав их продуктом, который понравился массам. Слушатели музыки могли подражать своим любимым исполнителям и носить ту же обувь, что и их кумиры. Рэп, реггетон и хип-хоп стали катализаторами превращения кроссовок в основной продукт современной моды и в гардеробах людей. Кроссовки PUMA Suedes и Clydes были популярны среди танцоров брейка в 1980-х годах, в то время как кроссовки Nike Air Force 1 были любимыми как у рэперов, так и у музыкантов. Кеды Converse начинали носить рок и панк исполнители, включая Курта Кобейна, Джо Страммера или Билли Армстронга. Музыка и культура кроссовок еще больше переплелись с популярными артистами, создающими свои собственные версии кроссовок совместно с брендами спортивной одежды. Сотрудничество между артистами и крупнейшими современными модными брендами началось с Run-DMC и Adidas после того, как они выпустили свою песню «My Adidas». Они создали версию кроссовок Adidas Superstar, которая дебютировала в 1985 году. В 2020 году была выпущена еще одна их совместная работа, посвященная юбилею кроссовок Superstar. В сотрудничестве Jay-Z с Reebok были созданы кроссовки, вдохновленные кроссовками 1984 года от Gucci, что сделало подобный стиль более доступным для широких масс. Канье Уэст участвовал во множестве различных совместных выпусков кроссовок, в том числе в своих самых популярных и заметных Nike Air Yeezy. Он также работал с Louis Vuitton и Adidas. Кроссовки в 2000-х — шаг вперед в цифровую эпоху 2000-е можно определить как эпоху, отмеченную сотрудничеством с художниками и плодовитыми домами моды. Сотрудничество с Канье Уэстом в рамках колоссальной сделки на 10 миллиардов долларов подняло популярность кроссовок на еще более высокий уровень. Сотрудничество Рианны с PUMA стало определяющим моментом в индустрии моды и истории кроссовок. Она не только звезда женской индустрии развлечений, но и была назначена креативным директором бренда в 2016 году. Ее бренд оживил PUMA, продажи которой снижались. Ее влияние на молодых женщин изменило отношение потребителей к этому бренду кроссовок, некогда популярному в музыкальной индустрии. Это свидетельство того, что влияние отдельного человека способно возродить современные модные бренды, утратившие благосклонность публики. Кроссовки в настоящее время встречаются повсеместно и имеют большое значение. За свою недолгую, но насыщенную историю они прошли путь от ниши до важной части гардероба каждого человека. Модная история кроссовок это наглядный пример того, как даже за привычными вещами стоят годы эволюции, от простого материала до красивой и удобной части нашей жизни. Автор: Арсений Биньевский

Вот и наступил октябрь, а это значит, что теплые деньки остались позади. Летние вещи отправляются в дальний угол шкафа, и самое время отправится в магазин, чтобы составить осеннюю капсулу на этот сезон. Трендов становится все больше и больше и, как правило, многие из них удивительным образом живут не один и даже не два сезона, поэтому обозревать все тренды этой осени будет немного скучно, так как статья превратиться в библиотеку трендов последних лет. Я выбрал немного другой подход, чтобы упростить жизнь нашим читателям. Статей, где можно посмотреть тренды осени, довольно много, но многим простым людям информация о трендах дает мало, так как иногда просто непонятно, как эти вещи носить. Например, в этой статье мы отбросим очередную попытку дизайнеров вернуть моду нулевых. Очень спорная тенденция, которая пытается пробиться в массы уже не один сезон, так как мало желающих отдать предпочтение джинсам с низкой посадкой. Трендов много, какие-то странные, какие-то сумасшедшие, какие-то простые и понятные. Так давайте разберемся, чему же стоит отдать предпочтение в этом сезоне. Old money Тренд, который остается на плаву уже несколько сезонов — это тихая роскошь. В том, чтобы одеваться в стиле «тихая роскошь», нет ничего сложного — достаточно выбрать качественные вещи в приглушенных тонах. Это отличный тренд для тех, кто не любит следить за трендами. Эта тенденция будет доминировать еще несколько сезонов по всем направлениям, во всех ценовых категориях. Подробнее об этом стиле можно прочитать в статье «Old money или тихая роскошь». Дерзкий красный Если и есть какой-то тренд, который по-настоящему захватил власть весной и летом 2023 года, то это Barbiecore. Ярко-розовая одежда в стиле 80-х получила огромное распространение, поскольку поклонники «Барби» с нетерпением ждали выхода фильма в этом году. Ярко-розовый цвет уходит сам по себе, но мы видим, что он продолжается в новой итерации тренда, поскольку ярко-красные оттенки готовятся занять их место этой осенью. Конечно, темно-красным и бордовым оттенкам всегда найдется место в осенних гардеробах, но в этом году вам, возможно, захочется сделать шаг-другой за пределы своей зоны комфорта, выбрав более светлый красный. Однако не думайте, что вам нужно одеваться во все красное, поскольку красные оттенки также отлично сочетаются, если вы предпочитаете черные ансамбли. Если вы хотите выделиться, не прибегая к блеску, красные кожаные изделия — еще один отличный вариант этой осенью. Назад в будущее Следующий тренд относит нас назад в 50-е года — когда-то популярный «New look», образ, который стал визитной карточкой Диора, становится снова модным. Приталенный силуэт с удлиненным жакетом не раз мелькал на подиуме в этом сезоне. Вариант довольно строгий и офисный для нашего времени, однако в сочетании с брюками или короткой юбкой образ становится довольно необычным и современным. Многие фэшн-аналитики также отмечают 80-е как тренд сезона, ностальгия по-прежнему является движущей силой модных тенденций, и это вряд ли изменится в ближайшее время. Модные тенденции 80-х особенно возрождаются этой осенью: мы увидим множество смелых геометрических узоров, ярких цветов, изделий оверсайз и, возможно, даже пару накладок на плечи. Прозрачность Когда-то в 1966 году Ив Сен-Лоран сделал видимой женскую грудь в своем первом прозрачном образе. Ив Сен-Лоран был первым, кто внес тренд сексуальньности в мир моды. Прозрачные изделия обеспечивают достаточное покрытие, чтобы вы не чувствовали себя полностью обнаженными, но они достаточно заметны, чтобы сохранить вашу сексуальность в любом случае, благодаря чему эти изделия довольно легко носить днем и ночью. Если для вас этот тренд немного неуместен, то используйте прозрачную одежду как дополнительный слой. Тем более, что осень в большинстве регионов страны очень холодная. И убедитесь, что вы покупаете прозрачные вещи, которые достаточно свободны. Мрачная романтика и готика Сериал «Уэнсдей» сделал свое дело. Когда начинают опадать листья и температура на улице понижается, самое время для навязчивого готического шика. Мрачно-элегантные наряды, задрапированных в богатые оттенки черного. Но дело не только в цвете; текстура здесь тоже занимает центральное место. Кружево и бархат станут вашими надежными союзниками в создании завораживающего образа, который не выйдет из моды этой осенью. Для дневных приключений наденьте классическую черную водолазку в сочетании с темными брюками, которые придадут немного таинственной изысканности. Крупные украшения Похоже, летний тренд на металлические аксессуары этой осенью никуда не денется и остается еще на один сезон. Эти изделия занимают центральное место, когда речь заходит об аксессуарах, и они предлагают простой способ украсить любой наряд, делая его универсальным вариантом, который вы обязательно наденете. Тенденция к смелым аксессуарам проявляется в крупных металлических ожерельях, манжетах, серьгах и клатчах. Возвращаются даже броши и крупные банты. Этот тренд на аксессуары используется для того, чтобы поднять минималистские ансамбли на одну-две ступени выше, так почему бы не надеть пару массивных золотых сережек, чтобы подчеркнуть ваш любимый спортивный образ? Металлик Это официально: цвета металлик будут преобладать в этом сезоне. Любое время года — идеальное время, чтобы взять эти вещи и смело выйти в них на улицу. Цвета металлик сделают ваш наряд совершенно уникальным и подчеркнут вашу неповторимую индивидуальность. Имейте в виду, что этот тренд не в том, чтобы выглядеть как диско-шар. Чтобы сохранить минимализм, попробуйте сосредоточиться только на аксессуарах. Или, если вы хотите выглядеть немного смелее, остановите свой выбор на более крупных изделиях, таких как серебристые брюки с металлическим отливом, которые переливаются при каждом шаге. Чтобы сохранить сбалансированный образ, остальная часть наряда должна оставаться нейтральной и не слишком бросаться в глаза. Выбирайте черный или белый цвета, которые, несомненно, будут хорошо сочетаться с другими металлическими деталями, которые вы хотите дополнить своим нарядом. И если вы не хотите быть слишком смелыми, вы всегда можете остановиться на металлической сумке, которая определенно будет бросаться в глаза на улице. Винил Винил не позволяет оставаться незамеченным, поэтому носить изделия из него может быть рискованным выбором. И все же это один из растущих трендов. По данным Fashion United, глянцевые материалы находят применение во все большем количестве предложений брендов, включая модный дом Courrèges, художественным директором которого является Николя Ди Феличе. Хотя эта ткань часто ассоциировалась с безвкусицей, дизайнер без колебаний предложил целую коллекцию, состоящую из виниловых изделий. Благодаря тому, что он очень блестящий, этот материал привносит в ваш гардероб футуристический и ретро-оттенок. Глянцевый эффект может показаться сложным, но помните, что в моде нет правил. Поэтому, будь то куртка, пальто, брюки или простая сумка, вы можете использовать винил так, как считаете нужным. Время ярких цветов Цвет года от Pantone — Viva Magenta, и, похоже, он вдохновил модниц во всем мире нарядиться во всевозможные яркие оттенки. Хотя драгоценные тона всегда являются основными цветами в любом осеннем гардеробе, этой осенью мы видим их яркие воплощения. Яркие оттенки этой осени легко смешивать и сочетать. Или вы могли бы использовать один яркий цвет для создания модного монохромного наряда. Если вы не хотите использовать сверхяркие цвета, немного смягчите их, выбрав приглушенные оттенки. Открытые плечи Вневременной силуэт с открытыми плечами возвращается в моду. Тренд предлагает идеальный баланс между обнажением кожи и сохранением уюта, когда температура начинает падать. Фасоны с открытыми плечами были популярны десятилетиями, но в этом сезоне они выходят на первый план. Этот фасон подчеркивает ключицы и шею, при этом позволяя вам демонстрировать свой стиль. И если вы следили за подиумами, то наверняка заметили, что этот тренд часто дополняют эффектные серьги, которые придают образу дополнительную драматичность. Пожалуй, лучшая часть этого тренда — то, насколько он непринужденно элегантен. От повседневных дневных нарядов до более нарядных вечерних ансамблей, изделия с открытыми плечами универсальны и чрезвычайно шикарны. Автор: Арсений Биньевский

Термин «супермодель» появился в 1940-х годах, но стал популярным только в начале 1990-х годов. Многие известные модели пытались претендовать на статус первой супермодели, но Лиза Фонсагривс, как правило, считается самой первой супермоделью. Фонсагривс был весьма востребованным лицом в индустрии моды с 1930 по 1950-е годы. За это время Фонсагривс появлялась на обложке журнала Vogue более 200 раз, это очень впечатлительная сумма. Послевоенная эпоха, в которую преуспела Лиза Фонсагривс, была золотым веком высокой моды. «New look» Кристиана Диора был фирменным стилем того времени, и он ознаменовал возвращение к ультраженственной красоте, когда женщины по окончании войны вернулись к роли домохозяек. Фонсагривс была известна своими острыми чертами лица и надменной внешностью, которые были идеальной основой для демонстрации утонченных творений из Парижа. Как она однажды сказала о себе, она была «хорошей вешалкой для одежды», и действительно, ее образ идеально отражал «новый идеал женской красоты», который был идеалом конца 1940-х и 1950-х годов. Модные фотографы Ирвинг Пенн, Ричард Аведон и Сесил Битон помогли запечатлеть утонченный, отстраненный стиль первых супермоделей. Твигги: лицо эпохи хиппи Культурная революция 1960-х годов ознаменовала большие перемены в мире моды, и, естественно, модели менялись вместе с ней. Статья 1968 года в журнале Glamour объявила Твигги, Шерил Тигс, Джин Шримптон и других новыми супермоделями. Возвышение Твигги ознаменовало резкое изменение женского идеала 1960-х годов. Чувственная женщина «New look», идеализированная Диором, ушла и была заменена тонким мальчишеским телосложением, короткой стрижкой и большими глазами, обрамленными темными ресницами, Твигги была сенсацией середины-конца 1960-х. Появление образа Твигги было важным не только в мире моды, но и в культуре в целом. К 1967 году Твигги стала настолько глобальным явлением, что о ней писали не только в Vogue, но и в новостных и культурных изданиях, включая the New Yorker, Life и Newsweek. Твигги выдержала испытанием временем. Ее мальчишеская фигура говорила не о зрелой женщине, прославленной в 1950-х, а о молодежной культуре, которая должна была утвердиться в конце 60-х и в некотором смысле никогда полностью не угаснуть. Sports Illustrated и калифорнийская девушка Одной из женщин, объявленных в 1968 году Glamour супермоделью, была Шерил Тигс, чья карьера продолжалась до 1970-х годов. Тигс получила известность не только как модель, но и как обновленная версия девушки в стиле пин-ап. Большая часть популярности Шерил Тигс пришла не из мира моды, а из-за ее статуса общеамериканского секс-символа. Она наиболее известна благодаря сотрудничеству с изданием купальников Sports Illustrated, для обложки которого она была моделью в 1970, 1975 и 1983 годах. Одна из увлекательных особенностей выпуска купальников Sports Illustrated заключается в том, что спортивный журнал устанавливает стандарты женской красоты. Начиная с нескольких страниц в 1964 году, издание swimsuit edition, по сути, было способом продавать журналы в менее спортивные зимние месяцы. В начале 70-х было принято решение отобрать моделей, которые воплощали бы здоровый образ «калифорнийской девушки». Твигги ушла на пенсию в 1970 году, проработав всего четыре года в качестве модели, и новая спортивная эстетика, принятая Sports Illustrated, отвратила внимание от истощенных андрогинных моделей. Список женщин, которые появлялись на обложке или на страницах выпуска купальников Sports Illustrated, выглядит как список супермоделей: Тигс, Кристи Бринкли, Паулина Поризкова, Эль Макферсон, Хайди Клум, Тайра Бэнкс, Синди Кроуфорд, Стефани Сеймур и Наоми Кэмпбелл. В дополнение к их природной красоте, все эти модели обладали женственным телосложением, далеким от мальчишеской фигуры Твигги 1960-х годов. 1970-е: первая афроамериканская модель Мир моды во многих отношениях отражает мир в целом, и как раз в тот момент, когда в 70-х годах новые лица наконец стали появляться на телевидении, на сцене появилась первая афроамериканская супермодель. Модель по имени Доньял Луна была первой цветной женщиной, появившейся в редакционной статье Vogue, но именно обложка с Беверли Джонсон 1974 года действительно оказала влияние на мир моды. Будучи первой афроамериканской моделью, достигшей высочайшего уровня, обложка Джонсон для Vogue проложила путь цветным моделям, появляющимся как в печатных изданиях, так и на показах на подиуме. К следующему году афроамериканские модели стали обычным явлением на показах мод, и в 1976 году состоялся дебют Иман. Широко известная как первая афроамериканская супермодель, Иман мгновенно стала сенсацией и тесно сотрудничала с легендарными дизайнерами одежды, такими как Кельвин Кляйн и Ив Сен-Лоран, одна из первых моделей, которая стала «музой» дизайнера. Первые афроамериканские супермодели Беверли Джонсон и Иман проложили путь более поздним звездам, таким как Наоми Кэмпбелл и Тайра Бэнкс. Эпоха супермоделей Конец 1980-х — начало 1990-х годов были настоящим расцветом супермодели. Они прошли путь от способа демонстрации дизайнерской одежды до маркетинговой силы, до полноценного феномена знаменитости. Супермодели были повсюду; они появлялись в ток-шоу, были бестселлерами в газетных сплетнях, имели роли в фильмах (хотя не все были хорошо приняты) и вели телешоу (Синди Кроуфорд вела «House of Style» на MTV с 1989 по 1995 год). В своей официальной роли самых гламурных людей в обществе супермодели часто фотографировались живущими светской жизнью в модных ночных клубах и даже запустили свои собственные линии одежды. Их огромная слава дала моделям 80-х и 90-х годов возможность превратить свою карьеру в многомиллионное предприятие. Первым трио супермоделей (супермоделей уже в привычном понимании) было the Trinity: Наоми Кэмпбелл, Линда Евангелиста и Кристи Терлингтон. Каждая из моделей была мегазвездой сама по себе, и вместе они были силой, с которой приходилось считаться. Они были желанными девушками для модельеров, таких как Versace, для всех модных журналов и рекламодателей. Популярность the Trinity означала, что они могли практически сами назначать свою цену. В 1991 году Кристи Терлингтон заключила контракт с Maybelline Cosmetics, по которому ей заплатили 800000 долларов всего за двенадцать дней работы! Возможно, именно подобные выгодные сделки побудили Линду Евангелисту произнести свой печально известный комментарий для Vogue в 1990 году: «Мы не просыпаемся меньше чем за 10 тысяч долларов в день». В дополнение к оригинальной Троице, еще три модели вошли в окончательный состав так называемой «Большой шестерки», официального и общепринятого списка лучших супермоделей. Помимо Кэмпбелл, Терлингтон и Евангелисты, там были Клаудия Шиффер, Синди Кроуфорд и (позже) Кейт Мосс. Это были женщины, которые появлялись на обложках всех журналов, пользовались наибольшим спросом у модельеров и рекламодателей и были наиболее известны широкой публике. Огромная известность супермоделей позволяла им делать те вещи, которые были бы катастрофическими для карьеры меньшего размера. Когда Линда Евангелиста отрезала свои длинные волосы в 1988 году, это вызвало шок. К следующему году Евангелиста не только вернулась на вершину, но и ее короткие волосы вызвали тренд среди обычных женщин. Актрисы затмевают супермоделей Какой бы невероятной ни была «Большая шестерка», к концу 1990-х годов ситуация повернулась против супермоделей. На это было несколько причин: неизбежное изменение модных тенденций, переход от гламура к гранжу, минимализму и уличному стилю, дизайнеры решили, что они хотят, чтобы их одежда вернула себе место звезды, а не модели, которые ее носят. Существует также теория о том, что яркое и требовательное поведение супермоделей начало раздражать редакторов журналов и кутюрье, которые решали, какие девушки снимаются, а какие нет. В конце 1990-х и по сей день журналы и рекламодатели начали отказываться от моделей в своих печатных кампаниях в пользу актрис и поп-звезд. Когда издание, которое было известно как главная стартовая площадка к славе супермодели, отказывается от показа моделей на своих обложках, определенно произошел серьезный сдвиг. Если отбросить теории заговора, возможно, одной из причин этого является то, что нынешняя коллекция моделей в основном анонимна, и это модели от кутюрных домов. Одной из важнейших составляющих успеха супермоделей 1970–1990-х годов было не только то, что они были красивы, но и то, что обычные женщины восхищались их стилем и желали быть похожими на них. Это был идеальный мэтч, когда мужчины любили супермоделей за их красоту и сексуальную привлекательность, а женщины любили их за здоровый внешний вид и потрясающий стиль. Мало кто ценит нынешнюю серию моделей, что может быть во многом причиной того, что такие издания, как Vogue, обычно не размещают их на своих обложках: они просто не будут продавать столько журналов. Автор: Арсений Биньевский

Кристиан Диор, один из самых влиятельных кутюрье конца 1940-х и 1950-х годов, несмотря на свою короткую карьеру, стал доминирующей силой в мире моды после Второй мировой войны благодаря своему чувственному новому образу и стилю «песочные часы». За 10 коротких лет Кристиан Диор оживил и произвел революцию в индустрии моды. Дизайнер предложил новый доминирующий образ, основанный на женственности и сочетающий в себе исторические элементы. Это вернуло мир, разрушенный войной, в эпоху роскоши и гламура. От архитектора до законодателя мод Кристиан Диор родился 21 января 1905 года в Гранвиле, оживленном приморском городке на побережье Нормандии. Родители Диора были не бедные, отец имел фабрику по производству удобрений. Мама Кристиана одевалась очень элегантно, что не могло не повлиять на вкусы Диора. Они переехали в Париж в 1910 году, возвращаясь в Гранвиль на каникулы каждое лето. Диор мечтал стать архитектором, но по настоянию отца поступил в престижную Школу политических наук в Париже, чтобы получить степень в области политики, которая, как надеялись его родители, подготовит его к дипломатической карьере. Однако все, чего хотел Диор, — это заниматься искусством. В 1928 году отец дал ему достаточно денег, чтобы открыть художественную галерею. Катастрофа случилась в 1931 году, когда от рака умерла мать Диора и семейный бизнес потерпел крах. Галерея закрылась, так как не приносила большого дохода,а отец больше не мог спонсировать галерею. Кристиан впадает в депрессию, даже лечиться в специальном санатории. В течение следующих нескольких лет Диор зарабатывал на жизнь, продавая модные эскизы домам высокой моды. В конце концов он нашел работу ассистента кутюрье Роберта Пиге. Диор продолжал работать на Пиге, пока его не призвали в армию после начала Второй мировой войны. Он служил в течение года, прежде чем был демобилизован после капитуляции Франции. Уйдя из армии, он присоединился к отцу и сестре на ферме в Провансе. Чтобы заработать на жизнь в этот период, Диор сначала работал на ферме, а затем продавал эскизы модным домам, модисткам и журналам, пока ему не предложили работу в Париже у Люсьена Лелонга. Как и другие французские кутюрье во время войны, Лелонг брал в качестве клиентов жен нацистских офицеров и французских коллаборационистов, чтобы выжить в конфликте. Несмотря на все усилия, Франция вышла из Второй мировой войны в руинах. Было разрушено полмиллиона зданий. Не хватало одежды, угля и продуктов питания. Тем не менее существовали широкие возможности для новых деловых начинаний, и мода не была исключением. Через Джорджа Вигуру, друга детства из Гранвиля, Диору предложили стать художественным руководителем в доме Филиппа и Гастона. Это была процветающая компания по производству одежды, принадлежащая Марселю Буссаку, известному тогда «Королю хлопка», бизнесмену с империей скаковых конюшен, газет и текстильных фабрик. Удивительно, но вместо того, чтобы принять предложение Буссака, Диор предложил помочь ему открыть собственный дом моды. Буссак согласился создать новый модный дом с беспрецедентным для того времени бюджетом в 50 миллионов долларов. Первый показ Christian Dior couture был запланирован на 12 февраля 1947 года. В то время одежды все еще было мало, а парижская торговля модой, которая доминировала в международной моде с конца XVIII века, находилась в плачевном состоянии. Кристиан Диор создал коллекцию роскошной и женственной одежды с мягкими плечами, тонкой талией, округлыми бедрами и пышными струящимися юбками. Предложения Dior, как известно, произвели впечатление на аудиторию. «Это настоящее откровение, дорогой Кристиан, — сказала Кармел Сноу, редактор американского журнала Harper's Bazaar. — У ваших платьев такой новый вид». Эта знаменитая фраза стала синонимом первой коллекции Dior, и дизайн New Look нашел отклик в чувствах клиентов в мрачную послевоенную эпоху. Диор предвидел, что женщины могут оценить что-то новое после многих лет конфликтов, жестокости, лишений и ограничений в одежде. Несмотря на первоначальное сопротивление длине юбок и невероятное количество ткани, которое требовалось для пошива одежды New Look, эти модели стали сенсацией. Начиная со своей первой коллекции, Диор помог вернуть Париж на карту моды. Клиенты американской моды вернулись к коллекциям осени 1947 года. Dior также пригласили провести частную презентацию показа того сезона для британской королевской семьи в Лондоне, хотя король Георг VI запретил юным принцессам, Елизавете и Маргарет, носить New Look. Создание и расширение бренда На протяжении 1950-х годов Christian Dior был одним из самых успешных домов высокой моды в Париже. Хотя были и другие модельеры, которые соперничали с Dior, среди которых были Пьер Бальмен и Кристобаль Баленсиага, ни один из этих дизайнеров не мог рассчитывать на стратегическую систему поддержки и структуру, доступную Dior. Управление домом осуществлялось по строго иерархическим линиям. У каждого из продавцов-консультантов были свои клиенты, с которыми он должен был поддерживать дружеские отношения. В ателье или мастерских многие швеи работали после окончания школы. Во время показов высокой моды, которые проводятся два раза в год, в конце января и начале августа, около 2500 человек входили и выходили из салонов Dior, чтобы посмотреть на новые коллекции. Каждый показ включал в себя до двухсот нарядов и длился два с половиной часа. Модели, или «манекены», как их тогда называли, происходили из тех же привилегированных слоев общества, что и клиенты, и были наняты в разных формах и размерах, чтобы показать, как одежда будет смотреться на разных женщинах. Крупнейшими клиентами были североамериканцы: голливудские звезды, светские львицы Нью-Йорка и покупатели универмагов, купившие эксклюзивные права на индивидуальные дизайны, которые должны были создавать их собственные швеи. Будучи престижным парижским домом моды, Dior на протяжении многих лет также привлекал таланты. Одним из них был Пьер Карден, портной итальянского происхождения, который возглавлял отдел Dior в конце 1940-х годов, прежде чем уйти и начать собственное дело. Другим был Ив Сен-Лоран, талантливый молодой дизайнер алжирского происхождения, который пришел в 1955 году в качестве звездного выпускника школы моды Chambre Syndicale и стал первым ассистентом Dior. Такой же робкий, как и сам Диор, молодой Сен-Лоран преуспел в доме моды и создал замечательные тридцать пять нарядов для осенней коллекции 1957 года. Ив Сен-Лоран проработал вместе с Кристианом Диором два года, перенимая опыт самого известного модельера того времени. Коллекции, состоящие примерно из двухсот дизайнов, вырастут из эскизов, туалетов и фурнитуры. Сен-Лорану впервые доверили оформление бутиков. Он также участвовал в создании ряда платьев от кутюр. Он быстро завоевал доверие Диора, и на него возлагали все больше и больше обязанностей.  Диор и СССР Кристиан Диор приезжал в СССР, но эта была туристическая поездка, в которую он отправился в середине 30-х годов. Тогда он побывал в Москве и Ленинграде и вернулся весьма удрученным. Образ советской женщины показался ему безрадостным, а костюм — неинтересным и серым. Известный приезд моделей Dior в Москву случился уже после смерти Кристиана, в тот момент дизайнером модного дома был Ив Сен-Лоран. Многие ошибочно полагают, что Ив Сен-Лоран был в СССР в 1959 году. Модный дом Dior в СССР тогда пригласила партийный деятель Екатерина Фурцева в рамках фестиваля мод. Было показано целых десять коллекций дома высокой моды. Приезд модного дома Диор в Москву был прежде всего коммерческим решением, и сам Ив в Москву не поехал; более того, с приезда Диора остались лишь фотографии, которые были сделаны журналом «Life». Единственным печатным изданием, где был освещен приезд дома высокой моды в СССР, был журнал «Огонек». Небольшая заметка в конце газеты дает нам понять, что парижскою моду советский народ просто не понял. Сам показ, несмотря на свой масштаб, также не произвел яркого эффекта. Западный свет же видел в этом важный шаг на пути развития моды и международных отношений. Диор без Кристиана 24 октября 1957 года Кристиан Диор умер от сердечного приступа во время пребывания в Монтекатини, Италия. Согласно его желанию, Ив Сен-Лоран стал его преемником и был назначен художественным руководителем дома высокой моды в возрасте 21 года. В то время как мир все еще оплакивал смерть Кристиана Диора, у Ив Сен-Лорана было всего несколько месяцев, чтобы подготовить коллекцию Весна-Лето 1958 года, презентация которой должна была состояться 30 января. Он вылетел в Оран — обычно он делал так, когда готовил эскизы для Диора. Он создал более шестисот рисунков за пятнадцать дней. В 10:00 утра в четверг 30 января 1958 года Ив Сен-Лоран собирался представить свою первую коллекцию для Christian Dior.  Через час последовали овации. Пресса пребывала в состоянии эйфории, пытаясь увековечить дебют «маленького принца моды», а группы поклонников плакали от радости. Смерть Диора сильно повлияла на юного модельера. Он создает силуэт «Трапеция», который внешне чем-то напоминал русский сарафан. Но последняя коллекция для Dior под названием «Souplesse, Légèreté, Vie» была очень темной и включала в себя кожаную куртку в крокодиловом стиле и водолазки, из-за чего Saint Laurent казался капризным и провокационным дизайнером. Впервые в его карьере коллекция не была встречена единодушно. Надо понимать, что клиентки Диора — это дамы возрастные, а Иву всего 21 год. От Диора он взял очень многое, но был модельером уже нового поколения. Естественно, что такие настроения не понравились руководству модного дома, и они решили избавиться от Сен-Лорана. Сделать это было непросто, потому с ним был заключен долгосрочный контракт. 1 сентября 1960 года, когда конфликт в Алжире усилился, Ив Сен-Лоран был призван на военную службу — не без помощи руководства модного дома. Вскоре после этого он был госпитализирован в Валь-де-Грас из-за депрессии. Дом Dior теперь мог разорвать с ним контракт, признав Ива психически нездоровым, и ему быстро нашли замену в лице Марка Боана. Когда Пьер Берже сообщил эту новость, Сен-Лоран был подавлен, но вскоре решил открыть свой модный дом. Марк Боан прививал коллекциям свой консервативный стиль до 1989 года, когда Джанфранко Ферре стал новым художественным руководителем. Ферре оставался в Dior до 1996 года, а затем Джон Гальяно, бунтарь-иконоборец, был назначен главным дизайнером Christian Dior. Гальяно проработал в Dior 15 лет (с 1996 по 2011 год), прежде чем был уволен из компании из-за публичного антисемитского инцидента. Дизайнер Dior Билл Гейттен курировал коллекции модного дома в связи с назначением нового креативного директора. В апреле 2012 года Раф Симонс, бельгийский дизайнер мебели, который в 1995 году стал модельером, выпустив свою коллекцию мужской одежды, был объявлен новым креативным директором Dior. Несмотря на то, что Симонс выпустил успешные коллекции для Dior, в октябре 2015 года он отказался от сотрудничества с парижским домом моды. В июле 2016 года, через восемь месяцев после ухода Симонса, итальянский модельер Мария Грация Кьюри была объявлена новым креативным директором, став первой женщиной, создавшей женскую одежду для Dior. Автор: Арсений Биньевский

«Я выступаю за новую эру, когда дизайнеры становятся новыми рок-звездами», — написал Вирджил Абло в блоге The Brilliance в 2007 году. Прошло десять лет, и Абло стал именно таким. Американский дизайнер прошел путь от чикагского паренька, помешанного на моде, искусстве, дизайне и культуре, до художественного руководителя подразделения мужской одежды Louis Vuitton. Известный как гений, стоящий за лейблом роскошной уличной одежды Off-White и желанными кроссовками, сотрудничающий с Nike, Louis Vuitton и многими другими, американский креативщик был одним из самых уважаемых имен в различных отраслях — особенно в области моды, обуви и музыки. Но с большой печалью дизайнер попрощался с миром в ноябре 2021 года после двухлетней борьбы с раком. С учетом сказанного, Вирджил Абло продолжал вдохновлять массы своим уникальным видением и дизайном, несмотря на свое состояние. Мода, искусство, музыка и культурные ландшафты были его творческой площадкой, естественно вдохновляющей молодое поколение и заслужившей звание одного из самых влиятельных людей в мире. От продолжающегося сотрудничества с Off-White x Nike до кроссовок Louis Vuitton Air Force 1 и всего остального, что находится в разработке, Вирджил Абло штурмом захватил мир моды. Вирджил Абло был американским модельером, предпринимателем, архитектором по образованию и диджеем, который в 2013 году основал и возглавил бренд уличной одежды высокого класса Off-White. В 2018 году Вирджил был назначен художественным директором по мужской одежде в Louis Vuitton. До своего стремительного взлета в мире моды Вирджил работал в чикагской типографии, где его пути пересеклись с окружением Канье Уэста и в итоге привели его к должности арт-директора его лейбла креативного контента DONDA. Участие Вирджила Абло в качестве диджея включает его работу в #BEENTRILL#, а затем в его первом бренде одежды Pyrex Vision в 2012 году. То, что произошло дальше, как говорится, стало историей. Вирджил Абло родился 30 сентября 1980 года в Рокфорде, недалеко от Чикаго. Родившаяся и выросшая в семье иммигрантов из Ганы, мать Вирджила была швеей и научила его всему, что ему нужно было знать о переделке и конструировании одежды. Объединив это со своим интересом к граффити, футболкам от ALIFE и Santa Cruz и футболкам таких групп, как N.W.A и Nirvana, Вирджил в итоге создал свой стиль в искусстве и моде. С ранних лет Вирджил также проявлял свою любовь к музыке и обуви. После нескольких дней катания на коньках он возвращался домой, чтобы поиграть с отцовской коллекцией пластинок и даже нарисовать свой собственный дизайн Nike, который позже отправлял компании. Его любимой обувью были, конечно, Nike Jordans. В 2002 году Вирджил получил степень в области гражданского строительства в Университете Висконсина. Хотите верьте, хотите нет, но его родители настаивали, чтобы он получил инженерное образование, прежде чем заниматься искусством. Ходят слухи, что Вирджил пропустил свой выпускной ради встречи с менеджментом Канье Уэста. Однако Вирджил и Йе не работали вместе до следующих нескольких лет. Затем Вирджил окончил Иллинойский технологический институт со степенью магистра архитектуры. Во время учебы в IIT Вирджил изучал работы Мис ван дер Роэ (известного немецко-американского архитектора), который научил его сочетать искусство, ремесло и дизайн в одном. Кроме того, Вирджил однажды заявил, что здание Rem Koolhaas на территории кампуса вызвало его интерес и открыло ему путь в моду. Рем Колхас — известный голландский архитектор, который в то время работал с PRADA. Во время учебы в IIT Вирджил начал писать для блога под названием The Brilliance и научился создавать свои проекты с помощью Adobe Suite. Благодаря своим новообретенным навыкам он в конце концов получил работу в чикагской типографии, где его жизнь изменилась навсегда. Вирджил встретил друга Канье Уэста, Дона Си, в типографии Custom Kings, в результате чего ему предложили работу. Вирджил стал креативным консультантом Канье в возрасте 22 лет. В 2009 году Вирджил и Канье (основатель и создатель YEEZY) начали посещать показы мод в Париже. Вирджил сказал: «Мы принадлежали к поколению, которое интересовалось модой и не должно было там находиться. Мы увидели в этом наш шанс поучаствовать и создать современную культуру. Во многих отношениях казалось, что мы приносим больше впечатлений, чем индустрия». Затем Абло и Уэст прошли стажировку в Fendi в Риме. Некоторые из их ежедневных задач включали типичные офисные обязанности, такие как ксерокопирование, печать и даже походы в кафе. Майкл Берк (который в то время был генеральным директором Fendi) рассказал New York Times: «Я платил им 500 долларов в месяц! Я был впечатлен тем, как они привнесли в студию совершенно новую атмосферу и были потрясающими наилучшим образом». Стажировка в итальянском люксовом лейбле позволила дуэту приобрести некоторый опыт в области дизайна одежды из первых рук. В том же году Абло и Дон Си открыли концептуальный магазин модной одежды RSVP Gallery в Чикаго. В торговом зале был представлен широкий ассортимент уличной одежды и брендов высокой моды, таких как Раф Симонс, Джастин Сондерс и, в конечном счете, собственный бренд Virgil's Off-White. В 2010 году Вирджил официально стал креативным директором креативного агентства Канье Уэста DONDA, взяв на себя ответственность за создание обложек альбомов и декораций. Pyrex Vision и #BEENTRILL# Первый шаг Вирджила на модную сцену самостоятельно был сделан в 2012 году с его первым брендом одежды Pyrex Vision в Нью-Йорке. Ключевыми предметами коллекции были фланелевые брюки deadstock от Ralph Lauren и футболки Champion с трафаретной печатью «Pyrex» и номером «23», символизирующим героя его детства Майкла Джордана. Изделия из Pyrex продавались в розницу по цене около 500 долларов, и Вирджил получил некоторую негативную реакцию, когда одна статья раскрыла источник заготовок. Позже Pyrex Vision была закрыта после слухов о судебном процессе со стороны Pyrex (известного производителя стеклянной посуды). В любом случае, Вирджил рассматривал Pyrex Vision скорее как проект увлечения, чем как бренд — и в то время у него уже был в разработке более масштабный план, который, как он не подозревал, станет одним из крупнейших достижений в его карьере. В том же году диджейский коллектив #BEENTRILL# Вирджила выпускал собственные графические футболки и совместные композиции с известными именами в индустрии, такими как Hood by Air, California skate и скейт-лейбл Stüssy, и многими другими. Абло и Off-white Вирджил Абло запустил свой всемирно известный лейбл Off-White в 2013 году. Вирджил переехал в Милан, чтобы присоединиться к группе New Guards (финансисты, стоящие за Palm Angels). Не совсем белый цвет (перевод названия бренда) означает серую зону между черным и белым, символизируя разрыв между уличной и дизайнерской одеждой. Некоторые ранние изделия не совсем белого цвета слегка напоминали Pyrex Vision, с изображением графики, напечатанной крупным шрифтом на обороте. Но в итоге фирменные кавычки, бирки для застежек-молний, мотивы со стрелками и оградительные ленты мгновенно стали узнаваемыми для всех. Выход Off-White на модную сцену в то время был идеальным. Рост популярности уличной одежды (в частности, культуры hypebeast) и влияние социальных сетей сделали имя Вирджила более узнаваемым по всему миру. Благодаря связям Вирджила со знаменитостями, поддержке бренда со стороны ASAP Rocky, Трэвиса Скотта, Джиджи Хадид и многих других известных людей бренд еще больше привлек к себе внимание. В интервью New York Times Вирджил заявил, что бренд был «первым брендом класса люкс, созданным на основе социальных сетей». Затем магазины Off-White начали появляться в таких модных центрах, как Милан, Токио и Париж, что сделало их обязательным местом для посещения для всех, включая отдыхающих, которые, вероятно, не имеют большого доступа к международным брендам. Бренд воспринял молодежную культуру и приобрел множество последователей культа. Подростки в возрасте от 13 лет были замечены выстроившимися в очередь у своих любимых магазинов, таких как Supreme, «XO Tour Lif3» и, конечно же, Off-White, в ожидании заполучить последние новинки. Вскоре Вирджил Абло был номинирован на премию LVMH для молодых дизайнеров одежды. В число номинантов вошли некоторые из самых важных людей в индустрии моды, такие как Дж.У. Андерсон, Марк Джейкобс, Карл Лагерфельд, Раф Саймонс, Риккардо Тиши и многие другие. В 2016 году Абло представил свою первую коллекцию мужской одежды на подиуме Недели моды в Париже. В осенне-зимнем ассортименте Off-White 2016 представлены полуофициальные и полу-уличные модели с фирменными воздушными котировками. Сотрудничество Off-White x IKEA Сотрудничество со шведской мебельной компанией IKEA в том же году вызвало всеобщее удивление. Для многих сотрудничество между лейблом одежды и производителем мебели было странным. Но если подумать об этом с другой стороны, этого следовало ожидать, учитывая квалификацию Вирджила в области гражданского строительства и архитектуры. Дуэт заявил на пресс-конференции: «Вместе IKEA и OFF-WHITE ищут способы помочь создать дом для миллениалов, которые только начинают свою жизнь». Партнерство поставило ряд недорогих предметов первой необходимости для дома, каждый из которых был снабжен фирменными кавычками Off-white. Louis Vuitton После сотрудничества с Nike и продолжения первоначального сотрудничества с другими дизайнами, включая коллекцию для американской теннисистки Серены Уильямс, Вирджил возглавил французский дом моды Louis Vuitton, появление которого многие предвидели из-за слухов и тизеров, витавших в воздухе с прошлого года. На этом этапе Вирджила было не остановить, он расставлял галочки, как будто это были ежедневные домашние дела. Когда Ким Джонс передала Вирджилу Абло роль художественного руководителя отдела мужской одежды, нельзя было отрицать, что поначалу все испытывали сомнения. Переход от уличного бренда к высококлассной эстетике — непростая задача. К счастью, это уже было сильной стороной Вирджила. Изделия Louis Vuitton, созданные Вирджилом, пользовались огромным успехом. Предметы сезонной коллекции сохранили наследие бренда в области роскоши, а также привнесли некоторые уличные мотивы, что сделало их неизменными для многих. Время работы Вирджила в Louis Vuitton также приветствовало появление новых имен в модном доме, включая всемирно известную K-pop группу BTS. Абло представил свою первую коллекцию мужской одежды Louis Vuitton на Неделе моды в Париже в июне 2018 года. Во время праздничной прогулки по подиуму он эмоционально обнял своего наставника Канье в завершении культового шоу. Вирджил Абло трагически скончался в возрасте 41 года. Затем появились шокирующие новости о том, что Абло тайно боролся с редкой агрессивной формой рака — сердечной ангиосаркомой. Обращаясь за лечением с момента постановки диагноза в 2019 году, Вирджил по-прежнему был сосредоточен на своей работе и преуспел, став лучшим образцом для подражания для следующих поколений. Финальный показ Вирджила Абло для Louis Vuitton на Неделе моды в Париже стал историческим моментом. Перед своей кончиной 28 ноября 2021 года Вирджил уже завершил коллекцию осень-зима 2022. Помимо выпуска Louis Vuitton x Nike Air Force 1s, Вирджил оставил нам множество других дизайнов, которыми мы можем наслаждаться и по которым его помним. Автор: Арсений Биньевский